[ UPDATING ]
"Quæris quo jaceas post obitum loco?
Quo non nata jacent."
–Lucius Annaeus Seneca, Troades.
Michel Blancsubé
As a true child of 1968, I've always valued life experiences as a primary way to connect with the world and deepen my understanding of it. You've travelled widely, encountering atypical individuals—people who've introduced you to alternative ways of seeing and being. Can you speak about this ongoing investigation and what continues to draw you towards those who, in one way or another, resist a singular vision of reality?
Mario de Vega
Probably it's just a path like many others. What I know is that my grandmother was a Romani woman who worked as a prostitute, and my mother was born in a gypsy community in the northern part of Mexico City.
After my mother's suicide, I felt an urgent need to find answers—naively believing that answers even existed. My search began in Mexico, revisiting places and meeting the atypical characters she used to visit.
In 2015, I worked for Akio Suzuki and Aki Onda in Berlin. I was a camera operator documenting an action performed by Akio as a dialogue with his dead friend Rolf Julius. The action simply consisted of walking through places they used to visit together, using the sound of stones and bamboo whistles as communication tools. Yasuhiro Morinaga was responsible for the sound recordings. He told me about his travels to different islands in Asia, documenting ceremonies, a fascinating activity that deeply intrigued me.
After my mother's death, I reached out to Yasu to know if he could help me find a medium in Japan, as I had heard of an almost extinct community in the north of the island. Following his advice, I travelled to Hachinohe to meet an Itako, an elderly blind woman.
Itako (イタコ) are blind female mediums, traditionally found in the Tōhoku region, in Aomori Prefecture. Often associated with folk Buddhism and Shinto animism, they serve as intermediaries within other areas of knowledge. This encounter was incredibly challenging, especially due to the language barrier. After hours of confusion, she insisted I return with another person, saying there was something I needed to understand. She asked the person who brought me to her house to find someone who speaks a language I could understand. With the help of the local police, the driver did just that. They organised everything, and I returned early the next morning with a translator. I don't find words to describe this, but what I can say is that was the moment I first heard about a space without dimensions, without proportions—a space beyond form. A profound confrontation with all my principles, habits, and inner agreements.
Some years later, I travelled to Chile to visit the Atacama Large Millimeter Array (ALMA), an astronomical interferometer of 66 radio telescopes. We visited an astro-archeologist who explained to us how the cosmos can be read through refraction. A wise man with a deep knowledge of mineralogy, geology, and astronomy.
After that, I travelled to Bolivia and met a Yatiri—an Aymara healer who reads coca leaves and Spanish naipes. I remember him as an armadillo. His fingers bore beautiful scars, small and rough tattoos that, to me, felt like signs of hierarchy. He prepared a mesa for the mountain—an event of extraordinary beauty, filled with colour, texture, and meaning. We burned an animal. After the offer, he asked me to visit his workplace. The space was small, dense, and syncretic. He spoke to me about the power of presence and the manifestation of vibration. He was emphatic about the importance of love. Together, we made another mesa, this time for Rom, my son. He blew and spat several times on me. He was soft and rough to me.
In 2013, when my mother died, I was producing a work entitled Forehead—consisting of a series of portraits featuring individuals with a laser pointer aimed at their foreheads. On the day of her death, production came to a halt, but two of my closest friends, Mariana García and Gudinni Cortina, stepped in and completed the production of the work on my behalf. That experience shifted something in me.
Some years later, after several failed attempts, I eventually travelled to India to work with an Aghori, a tantra master whose practice is devoted to death, specifically the corpse. After a long journey, I found myself in Varanasi on the far side of the Ganges, in front of skulls, metal figures, fruit, flowers, and incense. The air was thick with the smell of death—burnt flesh, bone, and ash.
The ceremony began in tears, starting early morning, lasting until late in the afternoon. This was my first encounter with India, alone at the Ganges River—one of the most polluted in the world. As part of this encounter, I had to enter the water to cleanse a large, heavy metal figure adorned with flowers. I left my clothes behind, including a silk coat made by a tailor in Nepal, and a long piece of black silk embroidered by hand by the Muslim community in Varanasi just days before.
We cooked rice with milk and sugar. I shaped balls of sand amid worms, human flesh, and garbage, and this character taught me how to make fire with a single match, using my body to shield the flame. He revealed to me the power of faith—and how, in the end, death is also just a system of belief.
Mario de Vega in conversation with Michel Blancsubé.
Extract from a conversation held in 2019. First published in conjunction with GENESIS, a solo exhibition at gnration, Braga, Portugal, 2025
Mario de Vega
Berlin Studio Visit
A survey of Mario de Vega's artistic oeuvre – his impressive collection of site-specific interventions and acoustic events – leaves wide open the question of what goes on in his studio. Known for his electronic improvisation, experimental style and use of large-scale pyrotechnics, it is difficult to imagine the space that would contain these sights and sounds. Visiting de Vega's Berlin-Friedrichshain studio, I was offered a glimpse of the artist's method for executing his unconventional works.
The studio space is already identifiable as de Vega's from the sidewalk, where his 2011 installation piece 'Tiere' - a deer used for target practice, shot through with multi-colored arrows - stands visible to passersby. The Mexico City-born artist moved to Berlin three years ago and has been working between the two cities ever since. Despite this emphasis, he works in a variety of media, including site-specific interventions, performance, design, video, sculpture and photography. As a sound artist, de Vega is concerned with confronting the limits of aural perception and his works often act as translations of high and low frequencies into audible sounds. His studio is a space for experimentation and research, the laboratory of someone engrossed in the study of sound as both sensory and perceptual event. With this acoustic fascination at their core, the projects that emerge assume a myriad of material forms.
On the tables in the first room of Mario de Vega's studio lie numerous soundboards, antennae and small circuit boards used for designing electronic equipment, as well as a vinyl-pressing machine. It is here that de Vega works out his projects for the 'materialization' of electromagnetic activity. One of his recent series, 'Traffic,' exemplifies this aspect of his artistic practice: de Vega has recorded frequencies from personal mobile devices in crowded places in New York City and amplified their sound to levels where it can be heard. He has then made vinyl recordings of these amplified frequencies, each record personalized with a postcard image of the mobile phone user in action. In this way, he has managed to produce a compact testament to this banal everyday experience: he has elevated it to the level of perceived phenomena and, to take it even further, has harnessed that aural perception and placed it in a context usually reserved for a musical composition.
De Vega's two-room workspace is shared with a fellow sound artist and creative collaborator, Víctor Mazón Gardoqui. Together they make up ://R, a platform researching topics related to "irritation, data corruption, propaganda, design, hidden signals amplification and psychoacoustics". Through a series of projects, publications and workshops, ://R has shed light on a fascinating aspect of sound studies. Much of their work focuses on the possibility of making the unheard heard, of amplifying those background noises that are ubiquitous but go unnoticed in our daily lives. They also offer international public workshops on how to build portable devices that intercept electromagnetic traffic as audio signal.
When I inquire about de Vega's method for generating his artistic ideas, he leads me to the back room of the studio. One wall, above a long desk, is plastered with words and images, seemingly unrelated. The artist has created a kind of cognitive map, beginning with an image of a 16th century church (Convento de San Diego, 1591), the current location of the Laboratorio Arte Almeda in Mexico City. The map leads through a series of associations that, to an outsider, are quite impossible to decipher. De Vega explains that this scattered affiliation of images is the plan for one of his upcoming projects, the 12/12/12 (December 12th, 2012) sound performance in cooperation with Laboratorio Arte Alameda and St. Johannes Evangelist-Kirche in Berlin. After the 12/12/12 event in Berlin, de Vega will reconstruct a church bell that was stolen from the Convento de San Diego in the 18th century, using an artisanal bell-making technique in which the bell's mold is cast in an underground dug out kiln. The bell, which will be made on site, will ring for 24 hours only. While explaining the plans for this new work, he recalls a similar acoustic event undertaken in the nave of a church.
Mario de Vega once fitted the vast 36-meter-long and 17-meter-high nave of a church with subwoofers. Amplifying the resonance frequency, his aim was to listen to the building itself. A visceral reaction for the listener. While testing the system, de Vega began to feel physically unwell, involuntarily listening with his whole body. This kind of behavioral modification is the basis of what is known as 'psychoacoustics': the study of psychological and physiological responses to sound. The subjective results, immeasurable except through interpersonal description and shared reaction, are the crux of de Vega's research. Through his work with frequency and resonance, he is interested in exposing human vulnerability and perceptual awareness.
His recent sound performance 'Thermal' at Transmediale, a festival of digital technologies in Berlin, was a prime example of this goal in action. At the event in Berlin's Haus der Kulturen der Welt, he used microwaves to modify the molecular composition of different materials. De Vega saw this event as a political action insofar as it examined the dangerous properties of what is usually considered an innocuous, commonplace household appliance. As he placed foreign elements into the microwave, the audio and visual results were at times explosive, and the audience began to feel uneasy and some left the auditorium. For de Vega, this was a telling experiment in the limits of the human capacity to withstand variations in their normal sensory exposures. It also constituted a study of the point at which a decision would made with regard to one's own feeling of security: to stay or leave. Of course, having done these kinds of experiments on many occasions, de Vega never exposed his audience to any serious danger.
Launching into a discussion of his more 'explosive' works, I learn that de Vega prefers to undertake these experiments in Mexico, where he has contact with a family-run pyrotechnic distributor on the outskirts of the city. The works he creates in various gallery spaces in the country, in which he detonates large quantities of gunpowder and other explosive materials, are collaborative works. He admits they are not rehearsed and rely on the experienced opinion of a few trusted individuals. De Vega remarks that these works are not easily done in Europe, where a mountain of paperwork and red tape slows down the process to a halt. In Mexico, he has been able to perform a number of audio-visual actions, including his 2008 electronic detonation of 3.5 kilograms of gunpowder, placed in 28 craft-board containers, inside the Facultad de Artes Visuales in Toluca. These works are documented and recorded and later shown in the gallery context. When they are enacted, however, there is rarely an audience to witness them.
The tension between documentation and performance is ever-present in de Vega's artistic practice. Most of his pieces are presented as documents of their execution, with few witnesses to their physical enactment. His studio work consists largely in finding formal solutions for the presentation of his work, which is often site-specific and temporary. Yet when he does sound performances in public, they have a decidedly theatrical flair. De Vega is aware of the value of being present in and through his work. Electronic music performance can sometimes be quite alienating, when the artist or musician involved merely presses play on a laptop or hunches over their equipment, unenthused. De Vega ensures that his audience understands why he is there, by engaging with the production of sound using his whole body. His performances are live actions that produce a determinable reaction from the audience and his process is displayed fully in these acts. His performances are both improvisational and contingent, each time producing different effects. The documentation of those multiple effects constitutes the nuanced aspect of his practice, requiring patience and skill. In the studio, de Vega develops innovative modes of presentation for pieces that are otherwise not amenable to a more traditional art context, like the gallery or museum.
To delineate physically the artist's twofold process within the studio itself, it would seem that the front entrance room represents the collaborative, experimental, more expressive workspace, while the back room represents the detailed, considered act of solidifying and representing these creative flows. Whether in the initial stages of planning a work, or in the editing and documenting phase, it is clear that de Vega has a vision. But this vision, it would seem, is always bound up in the process itself and often yields unpredictable results. The impetus behind his works is the study of the acoustic in all its aspects. Each of de Vega's performances, installations or interventions seems to unearth a fascinating and untapped feature of our daily soundscape. Working in both Berlin and Mexico City affords de Vega a wide range of possible outlets for his ideas. His practice straddles the delicate line between exploratory research and discernible artistic production: Mario de Vega's Berlin studio is a space at once generative of ideas and ripe for on-site collaborative research and experimentation.
Berlin Art Link. Alison Hugill
Preamble to the Detonation
Everywhere in Mozhaisk and beyond Mozhaisk troops were camped or marching. Cossacks, foot soldiers, horse soldiers, wagons, caissons, cannons could be seen on all sides. Pierre was in a hurry to move on quickly, and the further he went from Moscow and the deeper he immersed himself in that sea of troops, the more he was overcome by anxious restlessness and a new joyful feeling he had never experienced before. This was a feeling similar to what he had experienced at the Slobodksy palace at the time of the sovereign's arrival—a feeling of the need to undertake something and sacrifice something. He now experienced a pleasant sense of awareness that everything that constitutes people's happiness, the comforts of life, wealth, even life itself, is nonsense, which it is pleasant to throw away in comparison with something . . . With what, Pierre could not account for to himself, nor did he try to clarify to himself for whom and for what he found it so particularly delightful to sacrifice everything. He was not concerned with what he wanted to sacrifice it for, but the sacrificing itself constituted a new, joyful feeling for him.
—León Tolstoy, War and Peace
If there is something irrefutable about the construction of sound it is its universality. Surpassing the barriers of language, anyone anywhere on the planet at any time can feel moved by the explosive sounds that accompany pyrotechnics. The explosion has the aura of a harsh music that is directed at the intellect and that does not generate emotion. But at the same time it is an instrument of commemoration, festivals, or ritual events. In pagan rites, there are no inviolable limits, but only lightly marked lines that can be crossed without tolls or duties of any sort. Up to the enigmatic pleasure of sacrifice.
Like the concept of sacrifice, at least in its theoretical origins actionist art explores the dimensions of freedom and individual rights. Its methods—be they peaceful or violent—of symbolizing and adjudicating freedom and the essence of futile ritual, its perfect contribution to humanist judgment, are values that flourish in the crisis of justice and democracy, certainly like the one in which our present reality finds itself.
With intransigence, radicalism, with a great pleasure in sound, but also in a profound shock, beyond the tactile and the sonorous. The explosion produced a kaleidoscope in which today they move in a motley fashion from chamber ensembles, from leaders of the multitudes surrounded by software, to armed forces of liberation...I recall two great masterpieces close to this model: under the influence of the philosopher, poet, and sovjet anarchist Aleksei Gatev, Arseny Avraamov (Krasnokutsky, 1885 – Moscow, 1944) created the Symphony of Sirens in Moscow in 1922. Avraamov converted the city into a musical instrument, using the sounds of factories, machine guns, and artillery. Bells, airplanes, choruses, bands, cannons, hydroplanes, train horns all hummed under the orders sent from a special tower erected for the conductor. The amazing premiere was—or is, if it is performed again— accompanied by fragments of the Internationale, the Marsellaise, and songs of the workers movement. The other work, which also cites La Marseillaise and is embellished by explosions in the final part, is the sublime 1812 Overture by Pyotr Ilyich Tchaikovsky, composed in 1880.
Beyond their ideologies, which are almost always left-leaning, the partisans of today's sonic art combined with actionism seek as their only goal to achieve an experience (a ritual, if you will) free of all aesthetic and formal limitations. At issue here are not mere scales and chords, but a total catharsis, a spiritual search through a thunder that brings us to interstellar regions. This is the case with Mario de Vega, a composer of explosions.
Now on the silence before the din.
It seems already proverbial to assert the persistence of a model of aesthetics and social resistance based in the experience of the indeterminate, something similar to fear, even parallel to terror. Nonetheless, the model is indubitably synchronous with the dark maneuvers of power, founded in the occult, in mists, half-truths, and ultimately cynicism, as well as anxiety. As a paradoxical condition of urbanism, the struggle for liberty, dignity, equality, and the rights of all is constant and there will always be a place in the world where a battle for them is transpiring. But what is happening at the moment in the world, with the premeditated and systematic destruction of reckless orders in favor of all members of the social structure, the panorama is absolutely horrifying and bleak, and in effect, the model of anxiety is fitting.
After decades of struggles in the realms of politics, labor, and society to secure "advancements" that once seemed consolidated forever, patiently and with a great deal of effort, we find ourselves confronted with the fragility of the democratic systems, and powerlessly we witness the crumbling away of all the rights conquered with the blood of thousands of people.
It is simply abhorrent that criminals of all kinds (most importantly bankers, investors, financial speculators, "communicators," etc., with the necessary or essential collaboration of politicians and corrupt judges, inefficient national und supranational institutions, and the indifference of populations anesthetized by the news media) are immune to the devastating effects of a profound crisis that they themselves created and from which they benefitted enormously. While millions of people, through no fault of their own, suffer the fatal consequences with a total loss of their personal and collective rights, arduously fought for and recognized in fundamental laws.
In the face of this situation, there is a definitive obligation to fight, to protest, to make seen, to make palpably and unmistakably manifest our indignation in the face of this dispossession and subjugation. Evidently, this match lit to set off a fuse—a constant trope in the actions of Mario de Vega—is the indubitable sign of a historical moment, as well as a catalyst of truth and liberty that they cannot deny us.
The silence before the coming is a question of survival, although it robs us of our rest. Paradoxically, it is in this lapse when pride can be of use, or perhaps consolations lift the spirit, as happens in the drama of Count Pierre Bezukjov in the Tolstoyan epic. But with a trace of hope, not resignation. With the firm decision to protest, to rebel, to refuse to conform with the state of things, to rise up against the robbery that is being perpetrated by shameful governments turning against the population that has stupidly elected them. And to this end, it would be good to explore Mario de Vega's equation of silence, as a soundtrack, like a hymn of a lurid tale.
And after the roar:
Covering of plaster and gunpowder. Monument to the revolution. Profile of commotion. Son of Palestine.
Transformation of the conflict. Splendid silence. Smoke. Dust.
Face. Cala Juan Jaula. Abduction. Suzuki Cirrus. Complicit mist. Honey device. Incandescent coating. Lousy mother. Semantic interruption. Disappear from memory. Exit, false and accepted. Accumulated transparency. Circuitous match. Eccentric new existence. Cloudy doctrine. Silent prey. Light is the first animal. Regulation of sound. Rediga heliana. Footprint, specific site. Transamorem. Broken tombstone. Hiperborean logbook. Trembling ossuary. Post-earthquake. No new mock moon. Nem. Slogan. Memo. Like ice and superfluous Chemo. Passenger. Silly obsolete decision. Skin possession. Mine. Attribution Oppprtunist. Fantasía tutea. Just demand.
Neighbor with a heart attack Infiltrated garden of art Sobre provecho. Shattered.
Jail of the party leader. Model of a panopticon Little and much. As if.
Camus.
I want to believe that the previous paragraphs would suffice to understand—undoubtedly lacking in theoretical profundity—some indication of the discursive origin of Mario de Vega's process. A process certainly sufficiently loaded with prejudices (logically, he reuses them in certain works) and a priori disqualifications in the Mexican intellectual environment, which, in this case, inevitably expresses its enormous incapacity of analyzing and living art beyond its egocentric diffusion, and categorically in the safety of an aesthetics of comfort. The same ones which support the commercial solutions as well as the discursive models of our museums and mainly the regressive cultural policies imposed in each presidential term.
I return in my footprints—left in the indifference and the disdain of the academy and art professionals—of what was an experience that today, more sharply than in 2007, should be revised when the Ensayo sobre expansion y concentración took place, not in order to rehabilitate Mario's process, or to save my own neglected curatorial proposal, but to take the opportunity to collaterally devise a critical block on the borderline of silence-explosion-silence where I have placed this focus of this text. Although evidently only intended for understanding the contemporary art of Argentina, I refresh my attention on the same issues as what Rafael Cippolini in "La verdad es que somos cualquier cosa, Apuntes para una estética argentina del Siglo XXI," states as fundamental for trying to respond to a phenomenon similar to the one that envelops Mexican art of the same present, and as I say, resting on its laurels.
In his essay "Trash: una sensibilidad de la pobreza y la sobre información," Inés Katzenstein quotes Marcelo Pombo's rather emphatic assertion: "The 2000s are a decade that doesn't exist." Katzenstein indicates the possible reasons for this inexistence in artistic terms: its aesthetics and productions were not yet thought out and performed. That is: we still lacked responses that seemed at least convincing. What was the reason for this difficulty of communication? Difficulties of hypothesizing? The delay of adequate narrative procedures? The obvious crisis of the institution of criticism? The often preconceived concepts of art history? Are we really faced with descriptions that fail to convince? Or are once again our difficulties in observing our own surroundings gaining the upper hand? Would it be too ambitious to ask ourselves "What has Argentine art, and Mexican art, for that matter, been for during the past fifteen years?"
In the 1990s, Fabián Lebenglik sketched out some elements for a theory of the blind spot: the impossibility of seeing, focusing, of investigating our visuality. Naturally he was referring to a different context and to different figures (works, artists, or institutions). What are those that keep us from seeing? What is it that we fail to see? And, that being the case, why can't we see it?
The Mexican blind spot has perhaps has at least two origins. One is the manifestation of conflict and the failure to adapt with and to the times (the past, as well as the future, but above all the present): a phenomenon overloaded with contradictions which since the expansion of urban structures around six or seven decades ago has carried out an absolute violation against the historical legacy, although simulating reverence and restoration, conveniently lucrative (for example, with celebrations of independence or the revolution or the function of bureaucratic control in cultural institutions). And the same in relation to the future, linked fundamentally in economic programs and politically speculative, with absolute disregard for change, a visionary attitude, or to that which barely reveals revolution.
But what to say with respect to the present, a spectacular sum of perversions, of conflicts favorable to corruption, insecurity, immobility, or targeted toward destroying social coherence and the human essence for the perpetuation of the miserly power of the few?
The other, consistent with these conflicts and inadaptabilties with the times, can be found in the awkward redress of the concept of identity: of course the sum of the two generates and operates in ways as surreptitious as they are shameless in those of the everyday: the easy assimilation and tenacious application of behavior that is socially aggressive and superficial (with an accent placed on the vulgar authorized as folklore). Corruption ensues (what a circumspect sign of success!) and in effect the entire intrigue against respect for others. Along the line, classism, racism, and all kinds of xenophobia will follow, where notably a distancing is established with expressions of contemporary culture, almost always annulled by our critics with the license of subjectivity and uttered "informally" (like loose bar talk).
I gather from a news clipping that UNAM circulated a press release in which it offered apologies to the neighbors of the Museo Experimental El Eco promising to evaluate the material damages caused by the explosion of the performance entitled "Ensayo sobre concentración y expansión".
"It seems the artist Mario Vega had gunpowder covered with 25 kilograms of cement explode. I took a moment to say what the work of art here was, in the explosion of an amount of gunpowder of the kind that we've all set off in the street at some point. Seen in this way, I've been a great artist ever since my early childhood." (Rafael Pérez Gay, "Crónicas neuróticas", El Universal, March 2007). In sum, as very few people read about what took place, allow me to include this, our bet on the capacity of pleasure, questions, and profound comprehension that an explosion can trigger.
For Mathias Goeritz, the aesthetic entropy or the bankruptcy of sculptural, symbolic, and poetic languages that became manifest in this moment (1953, the year of the founding of El Eco), were important. By way of these, they could be the source for diverse spatial reflections of a graphic, pictorial, sculptural, and scenic character, converting the site into a container of energy emanating from possible links, coincidences, and links between the works.
On this occasion, 53 years after the "expansive" exercise of structural expression and the aesthetics of an authentic subjective energy (not co-opted by a nationalist quota), the Museum Experimental El Eco proposed once again an exercise that accumulated in its space a "concentration" of works that invite us to create discursive, aesthetic, or historical bridges of what were some of the artistic practices in our cultural environment, assimilated in the plural concept of Mexican identity.
Mario de Vega, for his part, will realize a unique intervention, resulting from a vehement act that will link to the violence associated with war, or with historical discord and the institutional ignominy that in a chaotic process also takes on the Art Museum. The work of this artist includes events and site-specific interventions, performance, and publications using various media and supports.
Guillermo Santamarina
Mexico City, 2012
Voids in Sound.
Composed Perception in Mario de Vega
Of course it is impossible for the listener to know how the devices on the table and the artist's movements ultimately relate to the resulting sound, whether the force with which the musician presses his body against the devices actually triggers a change in the sound or whether in the end the sound undergoes this modulation entirely independently of this intervention.
Mario de Vega not only plays with this insecurity. He makes it an apparatus for perceiving his works. "The audience would like to believe that what I'm doing is real", he explains. Strictly speaking, a suspicion of deception or charlatanism can be raised against all musicians whose processes of working cannot be understood by watching. Yet the suspicion of "bullshit" becomes so virulent in de Vega because the instability of the systems with which he works also allows for no binding access to the sound result. He has modified his instruments—electronic or simply electric devices—so often that the improvised is not what interests him, but rather the loss of control. "I don't care whether something sounds good or bad," de Vega explains. "The process that leads to the result is more important than the result itself."
De Vega's concerts not only have something to do with the sound and sound structures, but take place in an expanded framework that occasionally reaches beyond the audience's aesthetic attention. When all the chairs are removed from the hall before a concert and the audience is in a certain sense roused to action, then only a few listeners realize that for de Vega the concert has long since begun. The disturbance and the agitation are part of the performance, which has the audience participate differently in the sound event by grouping them around the musician, included as part of the performance. De Vega rudely shines a bright lamp in the face of individual listeners or has threatening sparks fall on the floor right next to a listener. During the entire concert, an atmosphere of insecurity dominates. "Sick," one listener exclaims about the performance after its conclusion—with a Californian nonchalance, but full of genuine amazement.
To intimidate and unsettle: these are the strategies with which De Vega confronts his listeners. A concert is not a prison; the listeners are not forced to subject themselves to a confrontation. All the same, the listener puts up with the discomfort. De Vega speaks of a "need for pain," of the "experience of our own vulnerability." He is interested in having the audience ask why they tolerate a high, physically painful sound, or why they subject themselves to such an extreme roller coaster ride. A small, unimpressive electrical device can create an acoustic pressure that endangers our existence and confronts us with the fragility of our being. Volume, de Vega continues, has something to do with modesty and respect, for the listener is reminded of his or her vulnerability. "Our consciousness", de Vega explains, "is overexposed in the process."
Those who speak of the sublime, of greatness per se, assume that the listener will become conscious of his or her own dimensions in the course of an overwhelming experience. But de Vega excludes the possibility of such a process of sublimation. It is impossible for the visitors to his concerts and installations to overcome the experience of their own vulnerability, because the threat exuded by his art is concrete: when, for example, in a project for his exhibition Absentia a wire is charged with 110 volts and is not only freely accessible to the visitors, but also blocks the way to the exhibition space, the possibility of injury is not an artistic allusion, but actually present. I can subject myself to it, by moving carefully beneath the wire in a ducked over pose of abjection. Or I can leave the exhibition. But it is impossible to romanticize the situation.
De Vega's objects do not always exude a palpable danger. The listener seems himself confronted with his or her own limits when intellectually overtaxed. The acoustic information that the sound of noise contains exceeds our cognitive ability. We cannot analytically decode the noise, but encounter the sound surfaces emotionally and physically. The human being, as de Vegas emphasizes over and over, is a fragile species. His work as an artist is not to evaluate this fragility or to play it out to his own advantage, but only to make us aware of it. When listeners leave the concert or exhibition because they do not want to subject themselves to intimidation, this awareness has already been generated. To empty a hall—a nightmare for most musicians—is for de Vega at least a partial success, for the decision to leave is considered an option of action imposed on the listeners, part of the work concept.
At the same time, it would be remiss not to point out a certain potential of aggression in the works of de Vega. When someone works with explosives and explodes entire rooms, is not trying to engender a cozy feeling. Several times, de Vega has had large quantities of explosives detonated, up to 350 grams, which destroyed the courtyard of a museum by Mathias Goeritz in Mexico City in 2007, involving the police and the fire department, and where de Vega and his curator Guillermo Santamarina just barely avoided arrest.
Of course, the explosives have something to do with Mexico, a country in which violence plays a much more important role than in Germany, where de Vega has lived since 2008. De Vega works with members of a family from Tultepec where a large portion of the population is involved in the explosives and fireworks industry. When asked about his home country, de Vega emphasizes that the music and art to which he originally refers are an imported culture. His first listening experiences with Throbbing Gristle and other industrial bands stood at the start of an artistic development that also reflects his own cultural present. That his concerts are held in an in distant empty buildings within just a few hours without leaving behind a trace, that the history of official meddling and the questionable role of the church flow into his works, and finally explosives are raised to the status of an artistic material can to a certain point be understood as a way of engaging with life in Mexico that does not rely on folklore, but the realities of everyday life.
When de Vega had a wastewater tank trunk placed in front of a church in Mexico City to spray the church façade with 6000 liters of water, the center of the work lied outside the actual performance. Naturally, the spraying of the façade could be experienced inside the church: from the perspective of the ontology of the work, Facial could be called a performance. And all the same, de Vega emphasizes that an important part of the piece consisted in the negotiations with the institution. The concern for the construction, the cautionary measures to exclude the possibility that the façade gets damaged, the hesitation and indecision of the bureaucracy was part of the creative act with which de Vega also sought to point to corruption and bureaucratic mismanagement. Sometimes, such daring concepts also met with rejection. The request to destroy the glazed front of a museum with explosives was not permitted. Such confrontations on an institutional level form a background that is necessary to understand the works. The building façades that were was blackened and at the end of the exhibition again painted white, or the Hummer limousines that are parked for two hours with their drivers in the entrance of gallery: these are interventions that question the way the art world operates in its self-evidence. Is it legitimate to carelessly or even wastefully use the money that public sources have provided to the artist? Key functions of art become simply obsolete: value creation, the educational mission, awakening interest and pleasure.
But let us return to the detonation in the courtyard of a museum building. Like many of de Vega's works, 350g of gunpowder covered with 25kg of cement detonated in the courtyard of the Museum takes on various forms that all reveal a different aspect of the work. There is the detonation itself and the pandemonium that follows: the two ephemeral elements of the piece. The museum courtyard remains: it is permanently damaged until restoration removes it of the artwork. Finally, the work exists in various editions, from the photo series to the sound recording. In so doing, the photographs can have a more documentary nature, like the reportage-like shots of the firemen that arrived in 2007. But they can also have a highly aestheticizing traits, like the photographs of burning, waving newspaper that were taken in 2010 in the framework of Gunpowder covered with local newspaper fired inside the Gallery. Unlike the images, the acoustic appearance of the explosion is a sign of transience. As if all sound events came together in this one single moment that is framed by the silence beforehand and the reverberations of the explosion, provided with the aura of deterioration it seems like the concentrated form of force, rage, destruction, music, art, fear, and awe. De Vega stresses that he never ignites the explosives himself. In so doing, in question is the very role of the artist subject in the work itself. Unlike Niki de Saint Phalle, for example, who once shot at a painting, in part to claim a feminist position, de Vega refrains from positioning himself in the work. His works are not about expression. The staging of power or rage is far from him intent. Instead, the meaning of narrative contexts in art is fundamentally questioned. Is an art conceivable that does not evoke metaphors? Is it possible to create an artwork that only exists? Without significance? The response questions might have to be negative, for even the most radical abstraction sets a process of interpretation into motion. In addition, De Vega usually places his works within a social, cultural, and political context: a church space, a gallery, on the open street. And his materials are also anything but neutral: the explosives, the record, the beer bottle.
At the same time, de Vega often confronts the beholders with a raw phenomenon. He creates the prerequisites under which a phenomenon can take place, but does not shape this form any further. The fact that De Vega works with sound is due to the fact that sound creates spaces that are low in connotation. The deep subsonic frequency with which he fills a large space is not a bearer of significance. As vibration, it is a mere phenomenon. It is, to speak with the philosopher Martin Seel, not an "atmospheric" or "artistic" appearance, but "mere appearance" that de Vega is looking for. In so doing, he relies on the "perception of," but no longer the "perception that" and "perception as" that Seel postulates as the prerequisite of aesthetic experience.
One of the qualities of deep frequencies is that they not only cannot be seen, but they also cannot be heard. Other than the unpleasant feeling that they cause, there's actually nothing there. A bell buried underground also relies on the fact that the sign that refers to the resting place of the bell is believed. The absence of the objects in Vega's work should be read in a double sense. On the one hand, it is one of the moments of disturbance that unsettles the audience. On the other hand, absence, be it in the concrete case of a bell or that of an exhibition in an exhibition space, but also a further attempt to free the discourse of art from metaphors. The absence of an object hinders its hermeneutic misuse.
Another key term is modification. To a certain degree, de Vega modifies his materials. Sculptures from the microwave, records, scratched and taped over, manipulated everyday electronics. Even more important is the modification of perception itself, the elementary effect on the beholder. When the exhibition space is entered, that is empty and not visibly subjected to any kind of artistic treatment, when one feels upon entering the space a vibration a sick feeling, then it is impossible to simply speak of an aesthetic experience. The starting point of such an experience can be deep frequencies under 20 hertz, that we no longer hear, but only physically experience. The engagement with such a stimulus is on the one hand pre-aesthetic, to the extent that it is not registered as a discursive, artistic expression. It is also post-aesthetic, to the extent that the process of reflection triggered only has the experienced situation, but not the work itself as an object. But it is exactly this kind of shift of the horizon of expectations that de Vega is interested in. Mario de Vega does not compose objects, but the perception of objects. The physical presence of an object or a sound is only a means to an end. This shift of levels of composition—away from the material towards the beholder—is the central leap that de Vega carries out with his work.
Björn Gottstein
Berlin, 2012
At random, even if
My uncle was a fixit whiz,
Turned out atomic bombs. No education but a real sensation, Worked with such aplomb. Locked up in his shed all day, Experiments and tests, Enthralling us with evening tales That kept us all abreast [...]
— Boris Vian, La Java Des Bombes Atomiques, 1954
Fellow caver Christian Farrando had wisely warned us: "When the explosion comes, open your mouth wide so the blast doesn't wreck your eardrums." We were in a hairpin bend in a narrow underground gallery, listening to the trickle of water on the other side of the bottleneck that stopped us going any further.
"[Marcel Duchamp] resorted to chance to relieve the boredom of choosing."
— Richard Hamilton, 2000
L'antre des damnés (The Cavern of the Damned) is a pit in the Massif du Purgatoire in France's Vercors region. So the best name for the extension we came upon after dropping a rope and climbing down was La queue du diable (The Devil's Dick). In a scene a bit like the Ejaculation sequence that closes Woody Allen's Everything You Always Wanted to Know About Sex But Were Afraid to Ask, there we were—disguised not exactly as spermatozoa but close to—with our jaws gaping as we waited for the kilogram of explosive we had planted on the rock to let go. The result being a useless fireworks display due to faulty plugging: no flying fragments and no burst eardrums, just a long, slow, laborious climb back up after a sleepless night and a dose of acetylene poisoning. We emerged as dawn was breaking into a Vercors landscape coated with the snow fallen during our absence. After coming up to the site the day before under a lowering sky, now we were tramping back through a deep, powdery carpet in splendid sunlight. I remember that the only sound, apart from that of our boots plunging two feet down with each step, came from snow falling off the pine branches bent under their unaccustomed burden.
Richard Hamilton: Introducing chance into the making of a work of art suggests a kind of disdain for the public and the practical constraints of art, which has earned you accusations of "dandyism." What's your feeling about this?
Marcel Duchamp: The public's not ready for it yet. People think everything should be done purposefully, after due deliberation. In my opinion, this lack of esteem for chance won't last: sooner or later people will accept this way of doing things. In fact, everything around us depends on chance, or at least on chance seen as what isn't subject to causality.
Among users of explosives, cavers are probably those you hear least about—even if, in terms of staying incognito, artists using gunpowder are most likely one step ahead. It's true that espousing as creative something usually regarded as a means of destruction is unexpected, to say the least. This dangerous substance is said to have been discovered in seventh-century China by people who mixed all kinds of stuff together in a search for the key to eternal life: artists, you might say, if you agree that making art involves, among other things, a desire for permanence—not to say eternity for the most wildly ambitious of its practitioners. Let's note in passing that there's a nice irony about coming up with a product that puts a radical, definitive end to all forms of life when you're actually looking to prolong life indefinitely. And even if the American authorities summoned every newspaper and magazine on the planet to the first Bikini Atoll blow-out on 1 July 1946, there's something incongruous about inviting people along for an explosion when what most of them want is to be as far away as possible when it happens.
So Mario de Vega seems to making paradoxical use of a paradoxically born invention.
Art often springs from iconoclasm. The rejection of dominant forms often motivates new creations. The history of art is more like a succession of battles against the immediate past than an ongoing validation of traditional systems.
— Richard Hamilton, 1964
You can easily get bombed without gunpowder or cannons, and without masks and cotillions.
One day in the 1990s four of us went into the Liliane & Michel Durand-Dessert Gallery, then situated on Rue de Lappe in Paris, near the Bastille. It was a Thursday and Michelangelo Pistoletto's Metrocubo d'infinito was on show. Dating from 1966, the work comprises six meter-square mirrors held together with cord to form a hermetically sealed cube. The reflective faces of the mirrors are all turned inwards, and thus plunged into darkness. For this reactivation of one of his Minus Objects the artist had decided to place a number of long-handled hammers around the work, some lying on the floor, others upright and propped against the cube. I remember exclaiming, "It's a bomb!" A mirror receiving not a single photon—as was the case of these six roped together—is as if dead, or at least dormant. No reflection without light, and the hammers, with their tensed handles, were the potential detonators.
I don't know why, but we stopped by the gallery the following Saturday, to find bits of mirror of all sizes scattered around the floor, and reflecting anew. The gallerist told us the three men had come in, and each had grabbed a hammer and shattered the cube before taking flight. Asked what should be done, the artist replied that everything should be left as it was: what had happened—the destruction of Metrocubo d'infinito—was one of the possibilities offered by the work recently exposed and now exploded. Explosion subjects matter to irreversible changes.
Once you've eliminated such authorized professionals as soldiers and civil engineers, the people who spring most readily to mind where explosives are concerned are bank robbers and terrorists. I recollect an abrupt four a.m. wake-up call once, in Aix-en-Provence, when the Corsican National Liberation Front detonated a gas bottle outside the local courthouse. The blast blew out the window just to the left of my bed. What sets people talking in such cases is not so much the explosion itself as what the bombers have targeted: a symbol, a population group, the owner of the wrecked property, the shattered strongbox, etc.
In the case of Mario de Vega the explosion is above all a sound phenomenon accompanied by a transformation of the concrete; or, to put it another way, how to create a visual extension of an ephemeral, high intensity burst of sound, not to say a continuous, low-intensity one? Both the sudden burst of flames and smoke and the delayed disintegration of buildings imperceptibly endangered by the continuing emission of low frequencies—infrasounds—cause a modification of the concrete, lightning-fast in the former case, but no less effective in the latter. The short and long-term visual consequences of de Vega's actions stamp him as an entropy-catalyst.
In June 2006 in Tultepec, Mexico's pyrotechnics capital, 250 grams of gunpowder were ignited under a 6-millimeter steel plate 120 centimeters square. The plate underwent oddly shaped, irreversible distortions: after the dust had settled it looked like a piece of military vehicle armor that some titan, an enraged Gulliver in Lilliput, had driven his fist into. At Aguascalientes in November 2010 it was the turn of a heap of newspapers to get pulverized and carbonized: everyday and episodic info, transcriptions of past events and recorded time, all gone up in smoke.
As a good Mexican Mario de Vega loves noise. And as a visual artist he's perfecting, even if he denies it, an aesthetic—of destruction.
Maltreated metal; thick, acrid, volatile smoke; broken glass; charred paper; buckled buildings.
One of de Vega's most recent experiments consists in exposing objects to the microwaves of an oven. The scope for chance is limited by the inherent character of the processes he works up—in this respect he distances himself from the notion of chance outlined above by Duchamp—but it has to be said that the consequences of his acts elude all predetermination. While the resultant forms are fortuitous, the photos he takes after these "accelerated cookings" are not. They all include floating stuff of which certain partially intact bits betray the origins: a golf ball, for example, or gilded cherubs—all Minus Objects hanging weightless against a black backdrop. In an out-and-out gesture of subversion the artist deliberately corrupts our judgment. And don't we find the auto-da-fé beautiful when he's running the show? In praise of residues and other trashcan treasures.
My kingdom is a local dump, the garbage collectors are my henchmen.
And yet: Mario de Vega talks about his way of working in terms more reminiscent of pure scientific research than of some metaphorical, politically/socially tweaked practice. He's more about experimentation than narration: the experiment-driven narrative only comes later. The experiment precedes and fuels the narrative. When our artist wants to confront a situation directly he makes no bones about it, putting his trust more in tautology than in metaphorical beating around the bush: in 2007 six pesos fell every twenty minutes from the mezzanine of the Laboratorio Arte Alameda, in a process lasting eight hours. The coins bounced and rolled around the floor of the lofty hall under the vigilant gaze of the security personnel. The minimum daily wage in Mexico City in September 2012 was 62 pesos and 33 centavos—a little under $5.
An explosion liberates energy, and we can justifiably assume that it creates a vacuum at the spot where the explosive was placed and ignited: even the air must be driven out for a fraction of a second immediately afterwards. Mario de Vega's explosive happenings are fleeting moments, lightning-quick triggerings of voids.
And if we are to believe certain philosophers, in the beginning was the void.
Palingenetically yours,
Michel Blancsubé
Mexico City, 2012
Mario de Vega
SIN
Después de una esperada e inquietante inauguración, y digo inquietante por: la larga fila a la entrada del museo y el texto en el que tú y la institución se deslindaban de cualquier responsabilidad legal (mencionando que a la vez cualquier percance que pudiera ocurrir estaría cubierto por protección civil) y además de los titulares que alertaban que por segunda vez se ponía en riesgo al público en el Laboratorio de Arte Alameda y sobre todo después de que el público tuvo una experiencia estética con tu obra. ¿Cómo miras tu exposición, antes probada, por decirlo así, por unos cuantos y ahora abierta al público?
Como un planteamiento que alude a la incertidumbre y confronta la vulnerabilidad humana a partir de información sobreexpuesta y una aparente falsa expectativa. Imposición de fuerza, manipulación de información, terror psicológico, abuso y frontalidad.
La exhibición llevó 2 años de investigación y desarrollo, mismo que ha confrontado mi trabajo, o mejor dicho, mas que mi trabajo, mi forma de trabajar. Estoy convencido de que la manera en que censamos información opera como un filtro que regula la codificación y acceso a como entendemos el entorno. A mi entender, SIN confronta los límites de percepción a partir de una estrategia que por un lado se dirige a la restricción como modelo primario de imposición de fuerza y a la ambigüedad como elemento de dislocación semántica.
Al entrar a un espacio parcialmente vacío la confrontación es con el individuo en sí, es un espejo y un reflejo modificado por presión acústica, corriente eléctrica y actividad electromagnética, con la cual se genera una imposición física que varía de acuerdo a un número amplio de causas que van desde el peso del visitante, la edad, el estado anímico, las condiciones climáticas, etc.
SIN alude a la otredad en donde muy posiblemente este depositado el conocimiento general de las cosas.
SIN surge del espacio mismo, ¿qué relación hay entre el sonido y el espacio para ti?
Es una relación directa y co-dependiente. El espacio es un contenedor de presión acústica, de residuos, de tráfico electromagnético, de presencia ausente.
La primer intervención consistió en remover el acceso de cristal del museo, que a mi entender, opera como imposición arquitectónica en el inmueble. El remover y dislocar el acceso, tiene como intención potencializar las cualidades acústicas del espacio, gesto que cambia por completo tanto la distribución espacial como las cualidades acústicas del inmueble.
¿Qué diferencias y puntos de encuentro observas con el Laboratorio de Arte Alameda y otros espacios que has trabajado (Ex-Teresa, Sala de Arte Público Siqueiros y Museo del Eco)? Por ejemplo actualmente se presenta en el MUAC tu pieza "BLANCO" dentro del marco de los proyectos del Espacio de Experimentación Sonora. Un lugar dedicado a lo sonoro con una carga visual importante, que justo tú dejas de lado.
Cada espacio contiene cargas semánticas diferentes. Lo que posiblemente unifique estos referentes que mencionas es que todos operan con presupuesto federal y dinero público y que gran parte de las intervenciones han utilizado presión acústica como eje.
¿Porqué trabajar con lo casi imperceptible, con la ausencia (las bajas frecuencias, la energía eléctrica, las propias emociones del espectador)? Hay un revés en esta exposición, aunque trabajas con el espacio no tratas de rellenarlo con objetos, sino por el contrario eliminaste el muro imponente de cristal, aparentemente limpio, ligero. SIN nos revela la obstrucción de la sensación espacial del lugar, nos revela que de ligero no tenía nada.
¿Nos podrías compartir sobre el proceso de tu investigación y como has llegado a este punto de tu proceso artístico?
Es una constante confrontación, un especial interés por la negatividad, una afinidad con lo negativo como un vínculo directo con el entendimiento de las cosas, enunciado que claramente abre una amplia y compleja discusión en términos ontológicos.
Utilizar presión acústica como material, impone el entendimiento de este medio como un elemento presente pero ausente en términos visuales. El sonido es un material físico en sí, es un medio que impone fuerza, y a mi entender, el uso de recursos tecnológicos en mi trabajo, expone un acercamiento a entender la tecnología como un medio de imposición de fuerza y dislocación de comunicación horizontal. Mi trabajo se aleja de una posición moral, incluso podría decir que carece de ella. Lo que hace es simplemente sumarse a un voto por el exterminio de la raza humana, respetando valores individuales y posiciones opuestas a la mía.
¿Cuáles son las dificultades que encuentras en tu trabajo, cuando es obvio que la saturación visual y sonora nos acompaña al día día?
No veo un problema vinculado a la contaminación visual y sonora en el espacio público, al contrario, mi trabajo y aproximación parten en muchas de las ocasiones de un proceso de observación de modelos de conducta y formas de organización social. Los problemas son posiblemente otros: Conflictos institucionales, burocráticos, logísticos. Para que un proyecto funcione en su totalidad, se requiere de un equipo de trabajo verás y comprometido, lo cual es difícil de conseguir.
Soy consiente de que lo que planteo es un duelo. Mi aproximación alude al conflicto, impone, confronta, cuestiona pero también intenta adquirir conocimiento a partir de la apertura, el dar valor al otro, por cualquiera que sea su procedencia o referente.
Mi trabajo no propiamente provoca. Provocar, según entiendo, estaría vinculado a la huida.
En el caso de SIN, la propuesta inicial fue que el museo estuviese vacío durante el periodo de exhibición, sin custodios y sin personal administrativo. Un espacio muerto en donde no hay instrucciones, solo una lista considerablemente rígida de restricciones en donde una vez leídas, el visitante tendría la posibilidad de decidir entrar o no, una vez entrando, tendría también la facultad de decidir que hacer con su integridad física. Dicho en otras palabras, mi intención era generar un escenario adecuado para un suicidio con gloria. Incluso colectivo en el mejor de los casos.
¿Qué sigue después de SIN?
Una pausa en Venecia. Estar con Rom (mi hijo), aprender con el.
Concluir diversos proyectos editoriales, entre ellos el catálogo de SIN. Dos publicaciones sonoras. Una mesa redonda en torno a la exhibición. Presentación de un libro que compila 10 años de producción en el mes de Agosto. Presentaciones en París, Londres, Riga, Colonia y Berlín. Posiblemente un proyecto en Australia.
El año entrante, participación en el Festival Märzmusik en Berlín y Borealis en Bergen. Comenzar un proyecto en la Ciudad de México y abrir una serie de residencias artísticas en mi espacio de trabajo en Berlín.
Daniela Lieja Quintanar
2013
Mario de Vega / Thermal
We Make Money Not Art
Thermal is an audio-visual performance in which several objects are modified using a microwave oven. Now I'm sure you've been asked that questions many times but isn't it dangerous to put objects inside a microwave? The photos from the performances look a bit on the hazardous side to me. Do you have to take certain precautions?
I over-expose danger and confront human vulnerability through a frontal situation. Security advices are given before the performance starts and audience are free to leave the room. I give information and advice of possible danger.
Of course, by overheating a device which development comes from radar technology research from WWII, confronts a complex paradigm: the oven could explode during the performance, gases are highly toxic and electromagnetic activity aim to be materialized thorough acoustic pressure.
Thermal is a confrontation with our own vulnerability using an electronic device that mainly everyone can recognize, a device that modified nutritional facts, social interaction and climate. The action has a political content itself without intending being political as principle. It confronts and intimidates through presence, ambiguity, over-exposed information and acoustic pressure. It also has a visual aim. I'm interested in how electronic devices or arrangements suggest context through ambiguity, in other words, I'm interested in producing events and situations in which codes are visible but not completely "readable". We could be able, in this case, to recognize an object (microwave oven) but our understanding of things reduce our approach, resulting in a situation with dislocated semantic structure in which things are there, frontal and visible and more over we can not understand what is happening.
During the performance, you put materials such as wax, ceramic, magnesium, carboxylic acid, pvc, etc. inside the microwaves. Could you describe how some of them react? Did any of the material you used react in a way you did not expect?
This has mainly a sculptural mean; with Thermal I'm interested in research materialization, irritation and modification as main topics. I modify materials, amplify, expose the process and materialize the results through different outputs. Technically, by irritating the molecular composition of matter, microwaves reflection change by absorption. We can think this in terms that certain materials absorb more than others, and here absorbing means less reflection and less dynamic range in an audio event.
We can understand amplification through four semantic layers.
The first one has the aim to amplify electromagnetic activity, high frequency mainly into the 2.4 GHz range. For this I use SNUFF and LIMEN (http://r-aw.cc), electronic devices based on logarithmic detectors used to demodulate high spectrum electromagnetic signals into a human audible ranges.
The second later is luminal activity. Using mainly a custom amplifier (BABEL) to convert lumens into sound.
Third part is electro-mechanic, using mainly a contact microphone to amplify friction and mechanic activity produced by the oven, rotating plate movements, for example.
The forth and last is probably the most dynamic part, reduced in a switch. On / Off. I turn on and off the device in order to maintain tension and produce a dynamic event.
More generally, could you describe what is going on during the performance? What the audience can see, smell and hear?
What you hear is mainly activity that in a normal situation humans would not be able to codify as acoustic pressure. I use electronic media to demodulate, amplify and over expose highly toxic electromagnetic pollution produced by an electro-domestic device used by 40% of the population worldwide. Burnt plastic and overheated corrosive materials are toxic; smell is an important issue for Thermal.
If I understood correctly, the main instrument for this audio-visual performance is the microwave oven. Did you have to modify the household appliance for the work? If yes, how?
No, the ovens are not modified. This would be a very complex and even dangerous task. For me it's even more interesting to use the devices as they are, I just simply amplify its activity.
Any upcoming project, event or research field you'd like to share with us?
Probably I should then here expose deeply my apologizes to delay this interview so long. I've been working in a solo exhibition in Mexico City during the last two years (SIN); the opening was on the 20th of June in a Museum located downtown named Laboratorio Arte Alameda. It's composed by 6 site-interventions, curated by Carsten Seiffarth and a retrospective salon curated by Michel Blancsubé.
An upcoming publication compiling 10 years of my work will be published this month, and an editorial project about thermal must be finished this year, as well as a vinyl edition with artkillart.
Régine Debatty
2012
Mario de Vega
As a sound artist, you work with various methods. How do you approach each project?
I divide my work in two main lines overlapping relations between stability, failure, simulation and ambiguity, with contextual situations and processes of in-determination and causality.
1. Sound improvisation.
2. Site-specific projects, sculpture and sound installations.
You have worked with a diverse set of instruments, including turntables, computer based interfaces or customized objects. How do you chose and find the instruments that you will use?
I am interested in explore sound physics, language abstractions and process of causality and ambiguity through the personalization of reactive sound based tools.
Through the tension between analog and digital media, I explore the value of fragility, the semantics of objects that potentially generate sound and the complexity-simplicity of screen-based media applications.
The process has gone through different phases of instrumentation ranging from plunderphonics experiments, videotape & vinyl manipulations, hard & software samplers, low-voltage gadget interventions, sensor based controllers & custom software, through the irritation of several objects using motors, magnets and electronic devices.
Over the last months I been interested in the potential of feedback overtones through the irritation of several objects with resonant qualities, being processed & amplified with analog devices & turntable cartridges, in order to generate sound situations, partially controllable interfaces and acoustic space alterations.
What is it that you are trying to find through sound?
I understand hearing as our most primitive relation with the surrounding, as a permanent invasion of information. We are able to avoid tasting, smelling, touching and looking but hearing and sound phenomenon have a special way of contact, with permanent aggression that became evident our state of vulnerability.
I am interested in the tension that attacks can produce, in the transgression of unstable entities in the enormous potential that sound phenomenon has to induce ambiguous situations in the listener and in the possibility of generate distortion perceptions through the intensification of the acoustic space.
Your work has appeared in various contexts, where do you feel most comfortable and why?
I think that the context determine results and behaves.
I am interested in certain ideas related with in-determination and necessity. I believe in the possibility of completely change the results in relation with the context and causes. That is why I am interested in sound improvisation, because as an improviser you must decide yes or no. In somehow, I understand sound improvisation as a process to understand the faculty to decide.
Each context offers different results. In Festivals you have the possibility of having a closer relation with other people work, in clubs and underground spaces a closer relation with the audience and working with Galleries and Museums offered me the possibility to research different aspects that I can´t find through a sound system for example.
In somehow is like the relation between salt and sugar. Both can have the same color but taste different.
You have worked with children with sight problems. Can you describe this project? Why did you decide to do it?
Socket was a project developed in 2003-2005. At that time I started a research about process of hearing in children with sight problems and reactivity with sensor based devices linked to Max/MSP.
I got a grant from The Mexican Council for the Arts to develop the project which main focus was the development and design of a sound interactive interface. Over the process, working with this specific case and audience, I recognized that computer based applications were less direct than human interaction and instead of offering communication potentially could avoid it. The result of the process was photo documentation from my site-work mainly focused in understanding hearing process, 3D space recognition and proximity codes in childhood blindness. In 2010, after finding the right sponsor, I will finally publish the documentation of this work.
You have moved to Berlin from Mexico City. Why?
I am interested in self-education processes. In my opinion, Berlin is a good place if you are interested in that. I think that in a city like this you have the possibility to access information in a different way, through workshops, exhibitions, lectures, concerts, etc. I decided Berlin because offered me information that unfortunately you don't find in Mexico at the moment.
Mexico had quite a thriving electronics/sound art scene with the likes of Nortec Collective or the Mexican Institute of Sound on the more poppy side of the spectrum. How is the Mexican electronics/sound/art scene at the moment?
I am glad that is getting bigger. I think Mexico City is a very interesting place with good conditions for Noise production (smog, pollution, 19 million people, black market and dog shit in big amounts).
Over long time, some friends and me used to organize events in several spaces as garages, basements, parking places and private houses with an extremely few audience. Now, the scene is small and big at the same time. Small if you think about 19 million people living in Mexico City and big if you think in the conditions of production. Nowadays you get a big amount of audience, some of them really young, with fresh ears and with the necessity of consuming different information.
The economic situation in Mexico is hard and it is clear that is not so easy to have access to hardware but easier to get into Circuit Bending, Open Source Software as PD or Supercollider and Raw electronics. We have a big area downtown Mexico City, not as big as Akihabara in Tokyo or Electric Town in Osaka but big.
There you can find all kind of ICs, sensors, motors, buttons, etc., something that I really miss living in Europe because at least in Germany, that doesn´t exist.
In the periphery of Mexico City, you have access to big rubbish containers and flea markets where is possible to find, for a small amount of money, all kind of potentially bendable toys, industrial rubbish, radios, printers and several other electronics.
I can mention a long list of people who have contributed to make the scene bigger, but definitely people as Manuel Rocha and Guillermo Santamarina (Organizers of the First Sound Art Festival in Mexico showing the work of Atau Tanaka, Phil Niblock, Paul Panhuysen, and many others), Arcangel Constantini (Curator / electronic artist. He brought in 2001 Zden from Solvakia to Mexico for example and a long list of other people as Dextro, Exonemo, James Paterson and many others), Rogelio Sosa (Radar Festival Director. The best and most important Festival for Sound Arts in Mexico bringing people as Yoshihide Otomo, Kanta Horio, Taeji Sawai, John Zorn, Wolf Eyes, Sunno)), Oren Ambarchi, Nurse With Wound and many others), Laboratorio Arte Alameda (Electronic Arts Museum hosting many concerts and exhibitions including Transitio and Radar Festivals), Hector Flores (concerts organizer in El Eco Museum and MUAC, both spaces run by Guillermo Santamarina), Ruido Horrible (Bloggers, independent harsh-noise / drone oriented label and concerts organizers. Some concerts with Soriah, Jason Zeh, Justice Yeldham and many others), Transitio Festival (Electronic Arts Festival with perfomances of Hans Tammen, Joker Nies, Loud Objects, Nick vs Nic and many others), Interface Festival (Electronic Arts Festival with perfomances of Murcof, F4RM, Algorythm & Blues, Mandorla, SEM Label and many others), Manrico Montero & Mandorla Netlabel (Field recordings artist & Mexico City based label. Some concerts with Dieb13, Burkhard Stangl, Pauline Oliveros and many others), David Kontra (breakcore / speedcore oriented underground parties organizer / producer), Ivan Edeza (Video Artist, noise consumer & independent curator), A.M.P. (Netlabel), CMM (Research Center supported by the Government, regularly organizing Open Source Software workshops), h4tch (an independent lab who hosted several workshops (Max/MSP/Jitter, Flashserver-Pure Data, Supercollider), sound performances and site-specific projects during 2005), Dorkbot-Mexico (Regular meetings for project presentations and live performances in several places around the City) and many other people, organizations and independent producers who have done an important job.
Also active noise-makers, sound improvisers, media artists & collectives as Gilberto Esparza, Marcela Armas, Ivan Puig, Juan Pablo Villa, Walter Schmidt, Carlos Robledo, Jorge Reyes (RIP), Alvaro Ruiz, OxOmaXoMa, Ivan Abreu, Dyan Pritamo, Juan José Rivas, Ezequiel Netri, Gerardo García de la Garza, Antonio Domínguez, La Liga Tecnoplástica, Fat Mariachi, Daniel Lara, Zero Point, Fartha, puntopig, Angelica Castelló, Piscis, F4RM, reallovedestroys, Robot Suicida, Las Venereas Edecanes, Hacked Tapes, Los Heraldos Negros, Israel M, I/C/O/C, Amniosis, jjjolll, rrr, mu, AAM, Murcof, and many others could be an important reference from Mexico.
What shall we expect from your show at the Next Festival?
I prefer to avoid expectations. I hope to be short and clear.
Next Festival
2008
Espejo Retrovisor:
Mecanicidad y Obsolescencia en el Arte Mediático Actual
Mario, Black Market fue producida para la exposición Im_polis cuyo proceso de producción fue acompañado por un seminario teórico. ¿Cuál fue tu experiencia de este seminario? ¿Qué papel tuvo en el proceso reflexivo que detonó la propuesta de Black Market? En particular, ¿qué te llevó a resolver la pieza haciendo alusión a línea de ensamblaje y al salario mínimo de la jornada laboral?
La hostilidad ha sido un tema recurrente en mi trabajo. En este caso, Black Market es un dispositivo basado en la observación y reconocimiento de actividades y métodos alternos de sobrevivencia en un país como México. Una realidad hostil que provoca modelos de sobrevivencia vinculados a la ilegalidad en todas sus formas. Black Market muestra referentes vinculados a retribuciones económicas desproporcionadas. Utiliza la sonoridad como medio de obstrucción incidental en el espacio de exhibición, la temporalidad como elemento de tensión y el dinero físico como elemento de conflicto.
Black Market parece hacer referencia a la alienación del trabajo a partir del tiempo lineal y cronométrico del reloj y de su equiparación con un valor de cambio, la moneda. ¿Estarías de acuerdo con esta lectura? ¿Qué relación tiene el elemento sonoro de la pieza con los elementos que acabo de describir (tiempo cronometrado y valor de cambio)
Si, es una lectura muy acertada. Black Market puede ser visto también como un dispositivo de tensión que utiliza la sonoridad como elemento incidental provocado por un patrón temporal definido. Sonoridad generada a partir de la caída de dinero físico utilizado como elemento de conflicto en el lugar de trabajo. Problematiza el tránsito y sugiere infortunio.
El hecho de que la maquinaria de Black Market deje caer la suma total del salario mínimo (de las tres zonas que distingue la ley del distrito federal) al suelo del museo, volviéndolo accesible a cualquiera que necesitara o quisiera echar mano de ese dinero, nos parece un comentario acerca de la insuficiencia y la fragilidad del contrato salarial. ¿Podríamos explicar de esta manera la alusión del título "black market" a las transacciones mercantiles ilegales?
En inicio, Black Market problematiza el cambio a moneda fraccionaria de la cantidad requerida diariamente. Altera el espacio de exhibición por la presencia de dinero físico y provoca una situación de filiación a partir de un elemento estático con funcionamiento autónomo, dependiente de custodia y mantenimiento. Ofrece participación. Sugiere robo. Alude a la vigilancia. Provoca incertidumbre y refleja la cruda realidad presente en un país como México en donde un trabajador recibe un promedio de $50 pesos por jornada laboral de 8 horas.
La experiencia del espectador de Black Market estaba marcada por una temporalidad propia de la máquina. Cada quince minutos era posible observar y escuchar la caída al suelo del dinero o ver desde el segundo piso los movimientos de la máquina que arrojaba las monedas. De hecho, los movimientos de la máquina y su programación eran indiferentes a la presencia (o ausencia) del espectador. La máquina seguía su proceso de manera autónoma y determinaba unilateralmente los momentos de la experiencia estética. ¿Qué implica para ti esta autonomía de la máquina? ¿Qué significa si la contrastamos con la "interactividad" que tanto se celebra en el arte con nuevas tecnologías?
El uso de sofisticación tecnológica e interactividad carece de sentido en mi producción artística actual. Creo en la posibilidad de autonomía en dispositivos electrónicos, pero observo que desafortunadamente todo dispositivo electrónico es dependiente. Limitante que no padece la pintura, la fotografía o la escultura por ejemplo. La interactividad es un tema que problematiza contenidos. Impone comportamientos y modelos de participación y en ocasiones, produce infortunios no deseados.
Mi trabajo incluye en ocasiones la participación del visitante generando redes de consecuencias pero busca alejarse de la interactividad, dado que en el mayor de los casos, interactividad esta ligado principalmente al imponer conductas, posiciones, movimientos. Mi trabajo impone situaciones de incertidumbre y muestra repercusiones incidentales. Se aleja de la sofisticación, recurre a la austeridad y hace evidente la insuficiencia. Observa el infortunio y alude a la fragilidad.
La exposición Im_polis se montó en el Laboratorio Arte Alameda antes el antiguo convento de San Diego que albergó la Pinacoteca Virreinal. ¿Qué tan importante fue este sitio para el montaje, el funcionamiento y el impacto estético de Black Market?
Black Market es un proyecto para sitio específico pero no vincula una reflexión histórica con el sitio. Su producción fue desarrollada en función de las cualidades y posibilidades arquitectónicas que el espacio asignado ofrecía.
Tu trabajo da mucha importancia al sonido como fenómeno de vibración que se propaga por distintos medios físicos. Llama la atención el uso de explosivos en distintas piezas, pues parece indagar una técnica particular que consiste en generar una experiencia súbita y violenta, y que puede trastornar e incluso devastar los espacios y los materiales en que sucede. ¿Qué significa esta irrupción violenta en el entorno? ¿Podemos distinguir un aspecto estético de un aspecto simbólico de esta técnica de experimentación sonora?
Mi trabajo esta vinculado a la materialización mas que la representación. Materialización entendida como elemento de provocación y actividad, utilizando tecnología como una herramienta y no un proceso de demostración. Es una investigación preocupada por materializar sonoridad, generar situaciones de ambigüedad, evidenciar fragilidad y provocar tensión en objetos físicos utilizando tecnología como herramienta de realización. Muestra procesos, testifica hechos y exhibe vestigios en donde un complejo proceso de trabajo y negociación es realizado para obtener un resultado simple y austero.
Black Market por ejemplo, es un sistema mecánico programado y ensamblado de acuerdo a las dimensiones físicas del lugar de exhibición, producido con la finalidad única de arrojar monedas por tiempos determinados.
Por otro lado, el trabajo con pólvora refleja testimonios de una sonoridad materializada en resultados formales. Sugiere una imposición violenta en el sitio de exhibición pero a su vez busca mostrar proceso de negociación que oscila entre parámetros de legalidad e ilegalidad con el fin de sugerir contenidos sonoros a partir de resultados y repercusiones en espacios físicos. La pólvora en este caso es simplemente un medio que alude a la sonoridad.
En el terreno de la improvisación sonora, mi producción se centra en factores indeterminados y el control parcial de los elementos utilizados. La personalización de herramientas, su diseño, modificación y re-codificación. Utiliza la crudeza sonora, generada por la amplificación de fenómenos eléctricos por ejemplo, como elemento de distorsión y modifica la percepción de escucha a partir de la sobre-posición de información sonora.
Por último, nuestra labor en esta curaduría ha consistido en investigar el estatus simbólico de "lo mecánico" en el arte mexicano con nuevos medios, preguntándonos explícitamente hasta qué punto es válido asociarlo con la obsolescencia de ciertas maneras de entender el mundo. A ti en lo personal, ¿a qué te remiten las categorías de "lo mecánico" y "lo obsoleto"? ¿Encuentras entre ambas alguna relación? ¿Qué importancia (formal, simbólica, técnica) tienen en tu trabajo?
Con el paso del tiempo, mi trabajo se ha alejado de la sofisticación tecnológica para recurrir a la austeridad. Austeridad como sinónimo de obsoleto posiblemente. Busca investigar sobre realidades formales mas que en implicaciones simbólicas o técnicas utilizando mecanismos de distorsión y hostilidad.
El Universal
2007
Mario de Vega
Variación de Voltaje Vol. 1
Mario de Vega (Ciudad de México, 1979) Autodidacta. Cursó estudios de escenografía en la Escuela Nacional de Arte Teatral. A pesar de que no estudió propiamente la carrera de música, es una persona que se ha encargado de suplir muy bien sus carencias. Primero estudió con Rodolfo Sánchez Alvarado, y posteriormente tomó algunos cursos dentro y fuera de México en torno a distintos dispositivos y programas para tratar el sonido y la imagen. Su estancia en Québec como parte de las residencias del proyecto Avatar en 2002; su introducción al software Max/MSP; el inicio de su relación con Hans Tammen en Nueva York, unido todo a su militancia en la plunderphonia, lo precipitan a la práctica del circuit bending, y de ahí a la construcción de sus sistemas, dispositivos, "instrumentos", interfaces y detonadores sonoros.
A su regreso a México Mario ocupó un espacio que nadie más había pretendido: su territorio se encuentra en los límites, a las afueras de la institución musical, conoce los softwares "sagrados" de la Academia, pero no pretende hacer reflexiones infortunadas en torno de procedimientos matemáticos de la creación, como antaño se hicieron. Sus acciones sonoras mantienen un algo que siempre confronta al escucha. Sus presentaciones en vivo son expansivas, son un derroche de sonidos complejos: Raspados, crujidos, juegos rítmicos, veloces, de pulsos abandonados entre una andanada generosa en ruido.
Sus actuaciones, en ocasiones, pueden llevar la impronta radical de la dificultad técnica en el montaje; la disposición del equipo, la amplificación y la energía pueden ser de gran dificultad. Cuando no es así, al menos resultan con enorme visibilidad y estruendo, como lo fue su serie de explosiones MATCH, que formó parte de la muestra Ensayo sobre concentración y expansión, en el Museo el Eco de la UNAM, en febrero de 2007.
Hay en él una cierta voluntad histriónica que resalta por sobre gran parte de sus colegas, y que le ha dado ya una tumultuosa aceptación por los públicos adeptos a los géneros extremos. Mario coquetea con la figura del rockstar, pero sólo para asumir una cierta personalidad pop que le permita diferenciarse del resto. De la música de Mario no acertaríamos a decir que es difícil o complicada; es un sonido que en México tiene muy poco escuchándose, aunque su público le admira por las razones equivocadas: los volúmenes sonoros con los que trabaja aún están por ser escuchados, las grandes masas de sonidos se juntan y empujan unas con otras, colisionan y pretenden con ello lesionar nuestro cuerpo. Hay allí algo de esta feliz ofensa con que Mario nos prodiga, esta provocación que aún no termina de escucharse. Puesto que su música sigue siendo inaudita para todos, respondemos –en parte- al eco de una voz en construcción, que resuena siempre en algún lugar del recinto donde se presenta.
Su música aún respira de otros aires, y el viento de la singularidad sólo se da en un azaroso encuentro con la espera paciente de la buena escucha. Tal vez haga falta un poco más de tiempo, habrá que esperar.
Carlos Prieto Acevedo: Queremos que nos hables de tu trayectoria, el sentido de tu formación, vienes de la escenografía, ¿cómo comienza tu trabajo ahí?
Mario de Vega: Comencé en la Academia de San Carlos pintando (1994 aprox.), produciendo ensambles con procesos de corrosión, desgaste, sobreponiendo y quemando diferentes materiales. Tápies y Rauschenberg fueron gran influencia. Los resultados concluían en objetos para pared, que posteriormente fueron desplazándose a otros terrenos. En paralelo descubrí a Monte Casazza, TG, NON, Coil, etc, referentes que fueron también gran influencia sobretodo por el contenido visual, el uso de fotocopias, desgaste en la imagen, etc. En aquel momento, en México acceder a ese tipo de material no era fácil –sigue sin serlo ahora después de mas de 10 años-, las opciones eran ir con Arturo Castillo o con Horacio en la Lagunilla, ya que eran la únicas personas con las que se podía acceder a ese material o tener el privilegio de viajar.
En 1994 ó 95 cuando estuve en San Carlos, recibí una herencia de mi tío que consistía en una colección de vinilos, y 2 tornamesas prácticamente estropeadas. Tras su muerte, iban a tirarlas a la basura y yo las recuperé. Comencé a trabajar con eso, a intervenir los vinilos, cortarlos, desgastarlos, a usar la tornamesa en conjunto con una videocassetera Beta manipulando su mecanismo, seleccionando, grabando y modificando material de Nurse With Wound, Whitehouse, Hermann Nitsch, :zoviet*france:, Coil, etc en cinta Beta, usando la videocassettera como instrumento.
Tiempo después tomé un taller de Performance con Pilar Villela quien me introdujo al Situacionismo Internacional, a Meredith Monk, John Cage, etc. Descubrí el trabajo de Walter Marchetti, Henri Chopin etc. A finales de los 90s tuve mi primer computadora con la cual comencé con principios básicos de edición y con el paso del tiempo, las necesidades fueron cambiando pasando por diferentes formatos, herramientas, modos de hacer las cosas, técnicas…hasta llegar a ahora en donde mi interés esta mas dirigido a generar situaciones a partir de información sonora.
Hace algunos meses presenté una pieza en la que se utilizaron ciento veintiocho explosivos de bajo y mediano calibre, en la cual, lo mas importante para mi era trabajar con reverberación de lugar. La pieza estuvo conformada por cuatro ejecutantes con instrucciones. Cada ejecutante estaba dispuesto en una locación específica en el lugar para seguir las instrucciones dadas, el público se encontraba en el centro, el espacio vacío (Ex Teresa) se encontraba sin iluminación. El formato de mi obra creo que va ahora hacia allá. Es decir, eventos, instrucciones, documentos, acciones, fotografías.
CP: ¿Habías visto algo parecido a lo que tú estas haciendo ahora, gente que tú puedas mencionar? No sé, Germán Bringas, gente con la que estuviste… después de salirte de escenografía.
MdV: Germán esta básicamente interesado en el free jazz. En aquel periodo (1999-2000) tocamos juntos en varias ocasiones, grabamos un CD de 3" edición de 100 copias. La caja tenía una serigrafía en la parte frontal, impresión sobre papel albanene, una auja y cada caja estaba perforada al centro del disco. Tristemente no tengo ninguna copia de ese disco, sería mas fácil tenerlo en la mano para poder hablar de el.
En 1999, el panorama de la experimentación sonora en México era pardo, no había básicamente nadie que estuviera realmente interesado en temas ligados al sampling, plunderphonia, turntablism o improvisación con medios electrónicos. Manrico Montero era uno de los únicos que estaba interesado en sampleo pero en aquel momento se encontraba mas involucrado con Parador Análogo mezclando Drum n´Bass, recuerdo incluso sesiones emblemáticas en su casa con el, Ivan Monroy -viejo colega con el que hice varias acciones en conjunto- y yo. Sin duda, procesos de formación colectiva.
Inti Meza Villarino: ¿Qué instrumento utilizabas?
MdV: Un sampler y una tornamesa. En ocasiones un micrófono y cintas.
CP: ¿Sampleabas de la tornamesa?
MdV: Sí, y sampleaba a Germán también.
IMV: ¿Cómo se educa musicalmente uno cuando improvisa, que aprendiste acerca del sonido cuando improvisabas con Bringas?
MdV: En aquel momento el entorno del free jazz era la parte más "experimental" que había en México. Experimental es en sí un termino mal adecuado puesto que el free jazz es uno de los contextos musicales posiblemente mas estereotipados que hay.
Actualmente en México el panorama es más abierto, hay más gente modificando dispositivos electrónicos, programando aplicaciones, etc., en ese momento Germán era de las pocas personas que estaba interesado en utilizar diferentes herramientas u objetos para producir sonido. En ese sentido, creo que improvisar es un intento por establecer comunicación no verbal.
IMV: ¿Sería un problema de inter-subjetividad, entre dos personas?
MdV: Si.
IMV: ¿No habría lugar para un diálogo entre dos sonidos, un diálogo entre personas que emiten dos sonidos distintos?
CP: … Que te desdoblaras en sonidos, es decir, que tocando con Bringas ¿te reencuentres a través de un diálogo con los sonidos?
MdV: El caso de Germán es muy específico, porque el saxofón tiene una relación muy estrecha con la corporalidad de la persona. Es diferente trabajar con alguien que utiliza instrumentación no convencional, creo que resulta mas atractivo ya que al trabajar con sonidos sintetizados —por llamarlos de alguna manera— implica otro tipo de carácter y forma de hacer las cosas. Un instrumento no deja de ser ese mismo instrumento, en términos visuales, un saxofón no deja de ser un objeto de metal doblado, al igual que un violín es un instrumento compuesto por cuerdas.Cuando hay elementos o medios descontextualizados creo que es posible establecer otro tipo de comunicación dada, en inicio, por la información visual que el mismo objeto ofrece.
IMV: Podría parecer que tu formación fue autodidacta.
MdV: Sí, lo sigue siendo.
IMV: Esta discoteca que heredaste ¿cómo la usaste? Fue una apropiación de elementos ya grabados. Pero también fue una formación musical ¿Era importante esto o fue simplemente una fonoteca, archivo muerto?
MdV: Archivo muerto es una perfecta descripción, eran discos compilados por una persona que creció en la década de los 60-70´s en donde el rock era una comunión. Cuando la obtuve, estaba interesado en sellos como Staalplaat, Dutro, Industrial Records, Dorobo, etc, al recibir los viniles (cerca de 2000) la situación era: ¿cómo puedo traspasar mis propias convicciones y utilizar esto como medio de producción?. Ciertamente un problema a resolver. En ese sentido, descubrir a Christian Marclay y Otomo Yoshihide fue realmente emblemático para entender eso.
IMV: En ese sentido, la tradición de la música académica ¿crees que se ha logrado encontrar con las producciones experimentales del pop?
MdV: No creo. Porque específicamente la música electroacústica está compuesta por pequeños nichos, vinculada principalmente a normas académicas, a estructuras capitales y sectores herméticos. La otra parte se genera por factores sociales con una carga política implícita.
A mi forma de entender, la música electroacústica académica es como una cápsula en donde en muchos de los casos el entorno no importa sino lo que importa es la producción de abstracciones y resultados formales. Aplicar desarrollos tecnológicos o problematizar la distribución y amplificación de sonido.
IMV: ¿Dirías lo mismo de la música concreta, de algunos ejemplos de la música concreta?
MdV: No. Creo que de la Música Concreta hay mucho que aprender. Aprender a conocer y reconocer nuestro entorno, el valor de la ambigüedad y el potencial de la inestabilidad. En Cage, Mimaroglu, Schaeffer se observa claramente. No en términos musicales, sino al involucrar factores que de alguna manera están presentes en el entorno. Situaciones, eventos que suceden, que interrumpen, que generan información.
CP: Estás diciendo que tienes diferentes necesidades, digamos casi generacionales: partes de la necesidad de inventarte tu carrera, tu trayectoria. No hay una relación directa ni asumida con ninguna tradición mexicana de experimentación ¿o podrías mencionar a alguien?
MdV: ¿Alguien como referencia?
CP: Sí, por ejemplo, alguien que estuviera haciendo cosas similares en esa época, o a lo que tú estabas escuchando de experimentación europea.
MdV: Mi trabajo, como el de muchos -sino es que el de todos- se ha desarrollado como respuesta a influencias o incentivos generados por diferentes medios. Vivimos por influencia y sobrevivimos por imitación.
Mi interés principal esta en tener claros mis referentes, no me interesa preocuparme si alguien lo hizo antes o si alguien lo hará después yo. En su momento, en México, a mediados de los '90, no había, o por lo menos yo no conocía a nadie que tuviera las mismas necesidades que yo, la gente con la que me relacionaba eran Manrico, Andres Oriard, David Kontra (encefalisis) -gran amigo con el cual organizamos diferentes eventos-, Arturo Castillo, Raul Álvarez, etc.
Otra persona que fue importante en el proceso fue Amanda Gutiérrez, por ella conocí a Horacio (En la Noche de los Tiempos). En aquel momento, el era la única persona con la que se podían conseguir ciertas cosas; Arturo Castillo estaba más vinculado al rock en oposición, industrial, free jazz, etc, pero Horacio era la única persona que distribuía sellos como Cold Meat Industry, Dorobo o Dutro, por mencionar algunos. Lo interesante, creo, es el valor agregado que el cassette copiado generaba, ya que el origen vincula ruido y la copia analógica lo duplica. Creo que eso es todo un tema!
CP: ¿Esto en dónde ocurría?
El Tianguis del Chopo era un centro de reunión para personas interesadas en la experimentación sonora, gente como Andres Oriard, Manrico, Carlos Icaza, Raul Álvarez, tu, etc. Después de asolearse en el Chopo era casi comunión ir a algún otro sitio y compartir hallazgos. Sin duda tiempos de formación para muchos.
IMV: ¿Eran fiestas caseras?
MdV: Si, terminaban en fiestas caseras. Antes de esa etapa, acostumbraba ir a Transvaal ya que era la única posibilidad de escuchar gente poniendo Alex Sex Fiend, Bauhaus, Christian Death, etc. pero lo interesante para mi, era observar parafernalia y glamour caducado.
IMV: ¿Fuiste gótico?
MdV: No, para nada, pero de alguna manera estuve involucrado generacionalmente con eso ya que en México era la única alterativa viable que proponía otro panorama.
IMV: Es como la segunda o tercera ocasión que haces mención del dark y el electro dark y estaba pensando si…
MdV: Fue un proceso para encontrar mi identidad —o por lo menos así fue en mi caso—, posiblemente lo mas extraño que podría encontrar en aquel momento el rock gótico y sus derivantes. Por derivantes me refiero a Nurse With Wound, Coil, In Slaughter Natives, Brighter Death Now, etc.
IMV: ¿No hay un salto entre Christian Death y Nurse with Wound?
MdV: Claro, y en ese salto hay muchas otras cosas mas que van desde el EBM hasta el Industrial.
IMV: …que muy pocos góticos podrían dar. Si tu me dices que hay góticos que escuchan a Nurse with Wound… ¡a mi sí me sorprendería!
MdV: No creo que exista ese salto, sobre todo porque son gremios cerrados, hay gente que no sale de eso. Es un poco como la actitud del punk. Yo tenía la inquietud de que había algo más que eso, tal vez mucho más difícil de conseguir, y era la parte que más me interesaba. Era como encontrar mi debilidad ante el fetiche, ante el valor del objeto y la información.
CP: Es interesante que estas poéticas, mucho mas radicalizadas y que tienen que ver con tu trabajo, en algún momento fueran posibilitadas por todos estos movimientos más mugrosos, industriales o góticos… de la cultura popular... Tú ves a Arturo Castillo, y él tenía que convivir con esta gente en el Chopo, sin embargo, ya vendía cosas de rock en oposición, de electroacústica, de experimentación…
MdV: Claro. Arturo tiene un colección única y es una persona con una intuición muy acertada. Sin duda ha formado a varios, a traído a México cosas que desafortunadamente nadie mas ha presentado. Siempre que lo veo es pasar horas escuchando, viendo, hablando, fumando…
IMV: Aquí se presenta algo muy curioso, porque vas con un músico de academia y ¡no hay partitura! Durante las clases lo que hacen es —el mismo Manuel Rocha lo decía—, escuchar piezas. Y lo que hace uno que no viene de la formación académica es escuchar y escuchar piezas
CP: Ni siquiera hay una discursividad teórica muy elaborada ¡Es ponerle la pieza cinco veces a los alumnos en la clase!
MdV: Creo que aquí incluso podría haber un problema un tanto mas grave, porque lo que he notado, es que desafortunadamente en México los músicos sometidos a una formación académica son los que menos escuchan, son lo menos abiertos y evidentemente eso encarece los resultados.
CP: Por qué no nos platicas más acerca de tu trabajo con el sonido desde este punto de vista. En aquel entonces qué cosas no te satisfacían en lo musical ¿Cómo alimentar desde el punto de vista simbólico esta producción tan clavada en el puro sonido?
MdV: Es una constante que busca ausencia presente, trabajando en la posibilidad de explorar actividad que no está en objetos físicos, pero que es producida con objetos físicos. Es una contradicción en sí. Por un lado el sonido es una condición física, vibración, y en ese sentido obviamente puede ser entendido como algo matérico. Pero el sonido se presenta sin una presencia en sí, intangible
Esto que digo es una visión más cosmogónica de lo que para mí podría ser el sonido. ¿Qué es la ausencia? Es sobre todo una pregunta que yo me hago constantemente: ¿En dónde está eso que no es posible ver?
IMV: ¿Ausencia en relación a este carácter paradójico que tiene el sonido?
MdV: Si.
IMV: …Ahí está pero en apariencia…
MdV: ¿Cómo lo capturas?
CP: …Por que es inaprensible…
MdV: Inaprensible, hiriente, intimidante, violento, amable, tenue, oscuro, y un sin fin de posibles adjetivos que podrían comulgar con lo que el sonido puede significar o producir. Y ahí surge una serie de problemas que realmente me interesa investigar.
IMV: Viniendo de los ámbitos pop, —por pop hablo de todas estas subculturas musicales— donde la materialidad y el volumen son tan importantes, hay una relación física ¿no? En la música tecno, en el rock o en el noise está el volumen: ésta masa sónica que te ataca y te avasalla, que sientes aquí en el plexo. En ese sentido, esto que acabas de mencionar ¿es un marcar distancias de tu punto de inicio?
MdV: Mas que marcar distancias en asimilar referentes. Una parte importante es el volumen, la posibilidad de amplificar información e intimidar al escucha con elementos acústicos.
Actualmente para mi es importante pensar en formatos, pensar en como, en donde, cuando y porque presentar una ejecución en vivo, en ocasiones no hay ejecución en vivo. No hay una postura escénica para ejecutar un medio. En ocasiones hay anulación visual, mi presencia esta ausente, en otras ni, estoy yo ahí manipulando un conjunto de aparatos que producen sonido, otras no, simplemente es una computadora, o cierta maquinaría, una imagen, un objeto, otra persona, etc.
IMV: Francisco López incluso…
MdV: Cierto, pero sin llegar al extremo de cubrir los ojos del público, eso rebasa mis necesidades.
IMV: …les tapa los ojos a todos los escuchas.
CP: ¿Cómo argumentarías la diferencia entre un evento de experimentación ruidista en el marco del arte sonoro y un concierto de grind core? Por ejemplo ¿cuál sería la diferencia entre lo que hace Rogelio Sosa con su proyecto .PIG, y lo que podría hacer un vocalista de grind? ¿En qué consistiría la diferencia?
MdV: Primero que nada, creo que es importante establecer diferencias entre lo que podemos entender como Arte Sonoro y todas las otras prácticas que provienen de una tradición musical. Rogelio es una persona muy cercana con la que disfruto discusiones sobre estos temas. Peleas en ocasiones interminables. Para mí, que Rogelio haga algo así, es una necesidad escénica. Es decir, una necesidad de estar presente y hacerse presente en el lugar.
La persona que tiene un micrófono en la mano está ligada a todo lo que ejecuta, información visual que en ocasiones puede ser hasta mas fuerte y protagónica que el resultado sonoro en sí. Keiji Haino es un buen ejemplo, sin el, sin el personaje, con lentes, de negro, etc. No habría nada. En el caso de Rogelio, creo que es mucho mas interesante, limpio y sutil cuando utiliza otros medios y no la voz, una de las mejores improvisaciones que le he visto ha sido con una guitarra por ejemplo.
CP: Estás tratando de desmarcarte permanentemente de cualquier identificación que pudiera hacerse de tu música: quieres hacer ruido pero no quieres hacer death metal. Quieres participar de los procesos en la producción en tiempo-real de la materia sonora, pero al mismo tiempo no quieres ser protagónico, entonces es un constantemente marcar tus distancias de tener un papel protagónico en la producción del sonido ¿Cómo lidias con las mediaciones que irremediablemente tienen lugar por parte del escucha? De tal forma que, a pesar de que esté oyendo éste ruido sin nombre, el hecho de que el músico sobre el escenario traiga una capa de determinado color, me permite saber que se trata de una experiencia cultural que involucra muchas más cosas que el puro sonido de su música. Tú estás en un momento de des-marcación constante, de separarte de las identificaciones culturales que pudieran hacerse del sonido que produces: En el caso del noise también. Es lo que le permitiría a la gente soportar el ruido, al menos saber que es parte de una experiencia en torno al sonido que tiene sus significaciones compartidas ¿Cómo lidias con esto? ¿Cómo hacer que ésta experiencia se vuelva real en el ámbito de los escuchas, que la gente entienda realmente qué elementos del entorno estás introduciendo?
MdV: Una posible estratégia es trabajar a partir de inmediatez, entendiendo inmediatez no como improvisación. La improvisación se rige con un parámetro mas amplio, abre y cierra posibilidades, es decir que existe la posibilidad de portar un disfraz o no portarlo, de gritar o no gritar, de estar o no estar presente. Procesos digitales, analógicos, recursos ya usados, sampleo, plunderphonia, etc, etc. Todo y nada al mismo tiempo.
La inclusión y la negación son dos puntos importantes y que muchos todavía no hemos logrado, me incluyo. Acuerdo con el incitar una relación más cercana entre el ejecutante y el escucha. La idea del Foro Isabelino por ejemplo en donde claramente existe una diferencia entre ejecutante y público, etc. La pregunta es que hago y como soluciono en ese formato?. Sin duda un tema complejo pero evidentemente importante. Al decidir el como se establece una posible forma alterna de comunicación, en donde la gente que está cerca de ti puede ver que hay acción-reacción en el proceso, donde incluso algún aventurado podría intervenir. Whitehouse es un gran ejemplo de eso, ahí hay mucho que aprender en términos de formato de presentación por ejemplo.
IMV: Te menciono dos definiciones del ruido: una, la adorniana —digamos, en términos generales— que habla del ruido como una manifestación del fascismo y del totalitarismo, de quien lo emite sobre quienes lo escuchan. Y de la otra definición podríamos simplemente referirnos a la materialidad del sonido, la obviedad de la materia sonora partiendo del volumen. En relación a esto que mencionabas ¿Hacia donde tenderías tú?
MdV: El sometimiento y la manipulación son temas que realmente me interesan. Intimidar al escucha. ¿Cómo provocar que la estancia se disloque a un hedonismo del sufrimiento? ¿Cómo haces para que el escucha este presente en ese momento, sometido, herido, pasmado, involucrado en memoria ausente?
Pertenencia y ausencia. Me atrevería a decir que esto esta vinculado al hipnotismo. ¿Cómo y bajo que circunstancias es posible hipnotizar a alguien? Como reaccionamos ante cierto tipo de frecuencias?. Como es que el sonido tiene la posibilidad de modificar nuestro comportamiento? Como es que es posible modificar el comportamiento del escucha a partir de información sonora?.
Como es posible obstruir la atención y dislocar la memoria?. Entender esto es un ejercicio de vida, sin duda nada sencillo y un camino largo que explorar.
CP: Sería similar a los problemas a los que se enfrenta una persona que trabaja música atmosférica, que parte de las mismas premisas de la materialidad, que parte de una relación no jerárquica entre espectador, ejecutante y espacio oponiendo el ejemplo del ruido ¿cuál sería el lugar del ambient? Has hecho cosas que son experiencias sonoras complejas que, parten de estrategias no necesariamente tan duras, "totalitarias", que atrapan al escucha.
MdV: Creo que el contexto condiciona el formato. Pienso en esta tradición del ambient y para mi leer eso implica una sala de conciertos, implica confort. Promueve el hedonismo y la contemplación. Mi interés esta mas dirigido a la dislocación y a la modificación de comportamiento, a la obstrucción y la manipulación de integridad humana. Pensar por ejemplo: Hasta que punto lo que escuchamos es cierto? Realmente sucedió lo que escucho? Cuándo es un segmento de ficción?. La grabación de un llanto, por ejemplo, es un llanto o la simulación de ese acto?. Tenemos la capacidad como individuos de separar lo que es ficción y realidad?. En ocasiones creo que no. Somos en suma vulnerables, una especie enteramente frágil, fácilmente manipulable por agentes externos y espero, en proceso de extinción.
CP: …Un formato, un género…
MdV: Depende también de tener las condiciones adecuadas para someterse a un letargo, cosa que otros formatos no necesitan, algo que es relevante sin duda. Un punto de partida es: ¿en qué lugar y bajo que circunstancias de escucha me estoy sometiendo? En ese sentido, para mí no ha sido acertado tener una sola línea de trabajo. Para mi lo mas acertado es intentar adaptar el formato de presentación al contexto en donde se presenta, es decir, si hay paredes blancas, posiblemente lo mas adecuado sea presentar una impresión fotográfica, si hay lo suficiente oscuridad posiblemente lo mejor sea presentar un video, si hay un buen sistema de audio con buenos subwoofers lo mejor sería producir 40 Hercios directos en la cara del escucha, etc.
CP: Por lo que platicas hay en tu trabajo una prioridad de los procesos sobre los resultados sonoros. No te preocupa dar una presentación impecable, acabada. Te encadenas a un proceso, partes de una serie de elementos que tienes, pero el proceso va a transcurrir de una manera impredecible ¿Qué lugar tiene el resultado sonoro con relación a los procesos en tu trabajo?
MDV: Si. Creo que en los procesos se encuentran los contenidos, mi intención no es entender como comienza o como termina un proyecto, si no lo que es posible encontrar entre líneas. En muchos de los casos, el proceso aparecen múltiples proyectos, el problema es encontrar las salidas, los formatos de presentación. De un proyecto puede surgir una serie fotográfica, un video, un texto, un disco, o puede, como en muchos de los casos no llevarnos a ningún lado también.
CP: ¿Sí tiene una función narrativa?
MdV: Posiblemente mas relacionado con una narrativa literaria que musical. Me entiendo como un escucha activo y de hecho muy preocupado por el juicio —no por el juicio destructivo—, sino en tener un punto de opinión sobre lo que escucho. Comúnmente sucede que nos olvidamos de el escucha. Nos olvidamos de quién está del otro lado y a quién estamos sometiendo, o en términos mas amables con quien estamos hablando y de que. Hablo de contexto, en donde y cuando presento cierta información…
CP: Ahora ¿qué elementos tomas en cuenta para configurar el juicio estético de una pieza electrónica o electroacústica, tanto como escucha activo y como productor?
MdV: En una presentación en vivo, creo que un punto importante es el volumen. No se si tocar con volúmenes altos sea un acierto, pero sin duda un gran placer poder hacerlo. Podrías tener los niveles de amplificación en cero. Limpio. Suciedad limpia. ¿El acierto? Ser muy conciso, conciencia del tiempo, conciencia de lo que está pasando en el entorno, posiblemente ese sea el acierto.
La estrategia mas fácil para intimidar y mostrar la vulnerabilidad que padecemos como especie, es el tener un volumen muy elevado: ahí sometes, ahí si que hay imposición. Hay 2 opciones, una, que la gente se tape los oídos; dos, que se vaya. Pero si, si la intención es tocar ante dos personas o ante un espacio vacío, podría ser un punto de acierto.
CP: Manuel Rocha, por ejemplo, mencionaba determinadas cosas que tenían que ver con acabar una especie de mundo. En "una obra electroacústica se debe tratar de presentar un mundo completo, acabado" me decía. No hay juicios porque no hay reglas para juzgar la electroacústica, dado el mismo carácter de material complejo, y la idea de "un mundo" me gusta como parámetro abierto que sirva para elaborar un juicio… ¿A ti?
MdV: Creo que es muy cierto como lo menciona Manuel, es por eso que en líneas anteriores lo mencionaba también. La música electroacústica busca crear ficción o un "mundo" como tal, motivo principal por el cual mi trabajo ha sido deslindado de ese terreno. Mi interés no es proponer un mundo propio y compartirlo, mi interés es investigar el como manipular información a través de herramientas, dispositivos, situaciones, acciones, instructivos, eventos.
Parte de la disposición que tengas del escucha. Cuánto tiempo se esta dispuesto a otorgar para el entendimiento (racional) de una pieza. Aquí creo que es mucho mas difícil hacer un juicio porque dado que entraríamos al terreno de la subjetividad, pero lo que si creo es que todo parte de la actitud, de cómo te estás presentando ante el otro. Que claridad dialéctica presentas, como utilizas los elementos y para mi, lo mas importante, como es el formato de presentación y que valor contienen cada uno de los elementos utilizados para desarrollar un discurso.
CP: ¿Qué tan importante ha sido para ti dominar la herramienta?
MdV: No podría pensar que la tengo dominada. Creo que asegurar eso, eliminaría cualquier posibilidad de trascendencia. Ahora lo pienso, y llama mi atención cómo, en mi vida, muchas coas han surgido por accidente, talvez como plantea Borges las cosas: "Si tú te encuentras a alguien, eso era una cita, si alguien se muere, eso es un suicidio…" ¿No? Creo que funciona a partir de la consecuencia de encontrar las cosas sin buscar un punto y bueno, hacia allá va la búsqueda.
CP: El instrumento en cierta forma es una extensión del mismo cuerpo…
MdV: Si, o una extensión de tu alfabeto.
CP: La expresión del ejecutante tiene una relación muy orgánica con el instrumento, pero en el caso de las máquinas es como ¡estarse comunicando de cerebro a cerebro! Es todo un espacio para explorar y para trabajar. Está bonita esta idea de la comunicación, porque la improvisación allí sería como ensayar formas de cooperación no ligadas a formatos lingüísticos…
MdV: Si, ahora que lo pienso, creo que es un problema lingüístico, el trabajo con sonido esta mas ligado al terreno lingüístico que musical, es decir, si uno de los emisores esta en actividad permanente, simple y sencillamente no existe la posibilidad de comunicarse, se convierte en un monólogo y creo que en este caso, cooperación sería una palabra acertada…
CP: ¿Qué puedes decir en torno al problema que representaría un proceso complejo que tiene un valor en sí mismo como proceso estético? ¿Cómo hacer para que este proceso no pase desapercibido por el escucha o por el público? Es una de las grandes preocupaciones de los artistas digitales, quienes están tratando de ver cómo reencontrarse con el cuerpo a partir de ciertas prácticas de carácter performático ¿Cómo lidias con ese tema, los procesos de pronto son muy cerrados, muy complejos, pero a la vez intrascendentes para el escucha no especializado?
MdV: Intento ser lo menos complejo posible. Mas austero. Agradezco la austeridad y prefiero omitir la complejidad que por ejemplo el arte electrónico o interactivo en muchas de las ocasiones presenta. Lo que he visto últimamente ha sido muy satisfactorio, sobre todo en Tokio, una experiencia muy importante, observé por un lado un entorno de una sofisticación tecnológica desbordada pero por otro una austeridad impecable.
IMV: ¿Qué tipo de negociación habría entre esta voluntad de producir sonidos singulares, determinados, en el material sonoro y esta cosa —para bien o para mal externa— ajena al mismo sonido, como lo es la cuestión histriónica, gestual? ¿Es una pérdida para la música, es una ganancia para el espectador, cómo ves esta relación?
MdV: Son posibilidades, no creo que sea una pérdida en sí. Es una sumatoria de para producir actividad sonora. Actualmente la producción sonora es cada vez mayor, el acceso a los medios es mucho mayor, es exponencial. Antes había muchas limitantes y la gente que sobresalía era la gente más radical. Actualmente que es lo que podría ser radical?. Posiblemente sea mas radical hacer folk que noise.
CP: En el caso de los creadores, no hay una autocrítica entre ellos, no hay revistas, ninguna reseña y ¡hay conciertos! ¿Dónde hay un espacio donde se diga si estuvo bueno o estuvo malo? Y que todo esto ayudara a conformar una exigencia mayor para el propio creador.
MdV: Cierto
CP: Te quejabas de que faltan mediaciones y dispositivos culturales que les permita a los espectadores involucrarse mejor con el productor o con el ejecutante o con la música ¿Pero no estaría en esta "falta de cultura" la posibilidad de sorprenderse, de sorprender al público justo por que no hay una bagaje que asfixie el placer de la experiencia sonora, musical?
MdV: Creo que lo que verdaderamente hace falta es crítica, gente que escriba, que cuestione, que se involucre con referentes, en fin que seamos mas responsables sobre lo que hacemos y lo que decimos.
CP: No existe una apertura más propicia en estas condiciones de "desinformación"…
MdV: México es un lugar especial. Sabemos que fuera, México se ve como una zona exótica, caótica, barata, jocosa, pero creo que es importante entender México como una zona de conflicto que potencialmente genera material y las condiciones necesarias para hablar en términos de distorsión. México es el lugar ideal para hacer ruido, son las cualidades necesarias para que esto pueda existir, una sociedad distorsionada en donde el acceso a ciertas cosas es mucho mas inmediato y las carencias suplen a su vez necesidades.
IMV: Y en términos pedagógicos…
MdV: En México la Academia esta muerta, lo que nos queda, según entiendo es aprender de la pedagogía del caos, la irregularidad y el deterioro.
CP: Ahorita que mencionas esta relación con tu entorno y cómo se introduce al ámbito estético: éstas cualidades del ruido urbano de México, o el caso de Tijuana, y lo que hace Nortec. ¿Qué tan difícil es para ti, me atrevería a decir, ser un artista desterritorializado? Que no tienes una presencia constante en el lugar donde vives, si no que tu actividad se desenvuelve por varios lugares en un circuito que trasciende las fronteras de tu país. Entiendo que un artista canadiense tenga una agenda "global", porque tiene una fama que no necesariamente se refleja en su localidad. En tu caso me parece un reto mucho más fuerte, por que no tienes las ventajas de vivir en un país desarrollado para ser un artista que sí está conectado a un circuito de países que, además, sí son económicamente desarrollados.
MdV: Ser constante es una posible opción e Internet es la plataforma mas viable para estar desterritorializado, ser simplemente un usuario, sin nombre ni imagen. ¿Es posible salir de un país subdesarrollado, en donde no tenemos la infraestructura para desarrollar tecnología de punta, en donde vivimos de la falacia y la incertidumbre? Mi respuesta es sí, México es un sitio privilegiado. Para un japonés por ejemplo, es mucho mas difícil salir de su territorio, primero por la lengua, segundo por la distancia, tercero por la falta de apoyos institucionales para la cultura y mucho mas para la experimentación sonora.
Hablar de un circuito local es un tanto más ambiguo y complejo. Mi interés no esta dirigido en ser parte de un circuito local pero si apoyarlo. Mi interés principal es viajar, compartir experiencias, aprender, cuestionarme, construir y destruir mi trabajo. Eso es un punto muy importante y sobre todo hacerlo solo. Ver cómo funciona, qué experiencia de vida te puede dar, más que estar preocupado por ver qué es lo que te puede dar un circuito local.
IMV: ¿Cuál crees que es tu lugar dentro de la tradición musical de la electroacústica mexicana o de la música mexicana sin más? Teniendo en cuenta que eres muy joven y que tienes toda una vida para seguir creando…
MdV: No lo sé. El terreno de la Música Electroacústica académica esta lejos. Supongo que mucha gente que pertenece a la academia simplemente nulifica mi trabajo, lo cual mas que intimidarme, me da fuerza para seguir.
Afortunadamente no estoy dentro del circuito de la música electroacústica mexicana si es que existe tal, incluso me es curioso pensar si realmente existe esa escuela que claramente importa dogmas de occidente y en muchos de sus caso simplemente replica formulas caducadas sin la tecnología adecuada para hacerlo.
Mas allá de esta pretensión de querer estar legitimado, es seguir produciendo, investigando, explorando diferentes formatos y salidas para proyectos, abrir espacios, otorgar espacio a otra gente. Eso también es un punto importante, apoyar a gente mas joven, ofrecer información y asimilar los referentes seguidos.
IMV: ¿Conoces algo de la tradición musical mexicana, compositores que trabajaron en el campo de la electroacústica?
MdV: Arturo Castillo fue el primero en mostrarme Julián Carrillo, Cromometrofonía. Conocí a Guillermo Galindo en CalArts, participamos en un evento que organizó Manuel Rocha, el mismo Manuel, Roberto Morales, Sergio Luque, quien desde mi punto de vista es de los compositores mexicanos jóvenes más interesantes.
Sinceramente lo que a mí me interesa hay muy poco en México, gran parte de mis referentes son occidentales, es tal vez un gran problema, pero incluso no sería un problema, es una realidad.
IMV: ¿Por occidentales te refieres a gringos y europeos?
MdV: Sí.
CP: ¿Sudamérica?
MdV: Cesar Bolaños y Ricardo Mandolini podrían ser algunas referencias.
IMV: Gonzalo Macías nos sorprendió diciendo que en su juventud había tenido una banda de rock. Le preguntamos si pensaba que era irreversible el que entraran a la academia muy jóvenes, que en su adolescencia habían tocado rock, y admitió sorprendido que tal vez sí. Tú en cambio no entraste a la academia, vienes de cierto circuito del rock, digamos, más de avanzada, del experimental. No has entrado hasta ahora a la academia. Te hago la misma pregunta ¿Consideras que esto es ya irreversible?
MdV: SÍ. En mi caso sí. No quisiera regresar a la escuela, siempre he sido muy mal estudiante. No tengo la disciplina suficiente para poder cumplir ciertas las reglas. Siempre he tenido maestros y guías. De allí a ser un buen estudiante, es un gran salto. La investigación y la documentación son esenciales.
CP: Si tuviéramos que sintetizar tu trayectoria ¿qué acontecimientos formativos mencionarías?
MDV: La lista puede ser muy larga. Sin duda el haber conocido a Teresa Margolles y SEMEFO cuando producían Lavato Corporis cambió mi vida, conocer a Guillermo Santamarina, Manuel Rocha, Rogelio Sosa, a Manrico, acudir de oyente en La Esmeralda y conocer a Arturo Hernández Alcazar, David Miranda, etc. Hacer una residencia en Quebéc y volver a encontrar a Teresa casi 10 años después. Descubrir a Henri Chopin. Viajar, caer, confundirme. Tener a Arturo cerca, amigo y sin duda una figura especial en mi vida. Haber estado con Laura Balboa y reconstruir mis referentes. Vivir en austeridad, ser padre y ahora estar fuera de México.
CP: Entonces Avatar fue un punto importante, por que te permitió saber que tú puedes hacer tus interfaces ¿Qué otra cosa podrías comentar después de Avatar?
MdV: Tokio, Internet, Joker Nies, Hans Tammen, Bent Festival, Kanta Horio, Tetsuya Umeda y muchos otros referentes.
IMV: Es curioso, por un lado decías que no andabas buscando la legitimidad en términos académicos, pero tal parece que a los músicos de academia tampoco les interesaba. Por que producían una pieza cada tanto de tiempo. Su obra se perdía, la tocaban una sola vez. Al final toda la historia de la música electrónica resulta ser muy errática. Jamás tuvieron problemas precisamente porque institucionalmente ya estaban legitimados. En tu caso, ¿en dónde crees que podría residir la legitimidad de tu obra, quién lo decide, lo decides tú, lo decide el público, lo va a decidir el tiempo?
CP: …Hay instancias legitimadoras importantes…
IMV: ¡Fuera de la academia!
MdV: Esta es una pregunta interesante. No se exactamente que responder. No se si entiendo bien pero si es lo que creo sí, estoy de acuerdo. Hay ciertas instancias que legitiman pero también sería peligroso pensar que se está legitimado, conocer a Guillermo Santamarina fue un tema de suma importancia en mi vida. El fué la primer persona que estuvo interesado en mi trabajo al cual le estoy profundamente agradecido, con el paso del tiempo, podría decir que la relación que tengo con el es de amistad. Hans Tammen ha sido también una persona muy importante en mi formación, el y Dafna Naphtali aceleraron mi vínculo con Max/MSP y gracias a Hans también he conocido a muchas otras, en NY y en Europa principalmente. Conocer a Rogelio Sosa, discutir con el y sin duda haber aprendido con Manrico Montero en muchos aspectos.
IMV: No te vamos a preguntar si crees que hay crítica musical en México por que en este subgénero no hay nada.
MdV: Cierto.
IMV: ¿Qué haría un crítico musical en este circuito? Uno de rock evidentemente no puede, no tiene los elementos… ¿Cómo marcar las directrices de un crítico musical en este circuito?
MdV: Lo que están haciendo Ustedes. Documentarse. Antes de hacer un juicio crítico es saber qué es lo que vas a criticar. Es lo que normalmente no sucede, la gente no va a los conciertos, la gente no se preocupa por hacer preguntas, no se preocupa por tener más documentación, no se preocupa por compilar una serie de datos y hacer un juicio de valor sobre eso. Tiene que ver con esta necesidad de educación, de disposición. Se sobreentiende, para hacer una critica tienes que saber qué es lo que estás criticando. Entonces, de entrada, hay que informarse, cosa que en muchos de los caso, no hacemos.
CP: ¿A qué crees que se deba que no ha florecido de una manera consistente y clara una crítica? ¿No crees que tenga que ver con el ensimismamiento de los mismos creadores que también están demasiado metidos en sus herramientas sin reflexionarlas, una preocupación por resolver cosas muy inmediatas que también pueden ser asombrosamente vacías en lo estético?
MdV: Si, si, si. Un caso triste es el Centro Multimedia. Yo creo que la primera carencia está en un nicho de ese nivel. Ha habido gente extremadamente valiosa ahí, que con el paso del tiempo desafortunadamente se ha ido. Estar ahí, según entiendo, genera un hermetismo a tal punto que no te permite salir a la realidad. El CNA es una estructura política del salinato cosa que implica otro tipo de necesidades y que obviamente obstruyen el exterior. Lo sé porque al haber estudiado ahí tenía que estar ocho horas al día y no tener otro contacto con el exterior. Para mí ese es un primer punto de negación.
A mi forma de ver, el único curador en México que tiene una relación y una cercanía con el sonido es Guillermo Santamarina, lo menciono en términos de reflexión. No hay más, me atrevería a pensar que sí. A Manuel y a Rogelio los entiendo más como artistas que como curadores, ya que su actividad como curadores ha sido complementaria y casi por imposición jerárquica.
IMV: ¿En el caso de José Wolffer?
MdV: José sería un punto y aparte. José está mucho más vinculado a la música electroacústica, la programación que el hace en Radar es muy especifica, la estructura que él maneja es mucho mayor. La otra parte de Radar la hace Rogelio Sosa. Ahí es como un complemento, pero si tú hablas con José, te dirá —él es una persona muy clara—, "a mí me interesa esto y lo demás bueno, lo valido y también me interesa, pero no es mi punto de partida".
CP: ¿Cómo podrías describir tu experiencia de trabajo con COBRA y con John Zorn? ¿Cómo fue y qué tan distinto de tu colaboración con Joker Nies y Hans Tammen aquí en Transitio?.
MdV: Con John Zorn fue el atreverme a hacerlo porque en ese momento estaba totalmente perdido en Tijuana. Por alguna coincidencia vi en Internet que John Zorn venía a México, ví que tdirigiría músicos mexicanos y dije: ¿Qué hago aquí? yo quiero estar ahí". Tomé un avión, llegué y de hecho no le dije a José Wolffer, llegué con Zorn directo y le dije: "mi nombre es tal, vengo de Tijuana y quiero tocar", me preguntó: "bueno ¿y que traes?", le dije, traigo un sampler y mi computadora, "sonrió y dijo, bueno, conéctate"… Para mí ese fue el acierto. No el hecho de haber tocado, si no simplemente el hecho de haberlo realizado de manera directa y de manera completamente humana y animal.
El formato era diferente, muchas de las cosas todavía no estaban bien exploradas, ya había algunas líneas o direcciones de mi trabajo pero en aquel momento era el primer punto de origen. Vivir en Tijuana por dos años fue por un lado, un avance y, por el otro, un retroceso. El haber participado en Cobra, ayudó a darme cuenta de que posiblemente estaba en el lugar equivocado… lo agradezco.
El vínculo con Hans Tammen fue diferente por que yo quería aprender a programar en Max/MSP y estaba buscando un curso que lo dieran en Los Angeles, en San Diego o en San Francisco —California en general—, encontré un sitio en Internet y mandé un correo a donde se decía que daban cursos de Max/MSP. Resultó que ese correo se lo había mandado a la esposa de Hans, y ella le comentó que había alguien de México interesado en Max… Días después recibí un correo por parte de Hans preguntando si yo era el Mario con el que había tocado en México en 1999?" Una coincidencia. Hans es manager de un Media Lab en Nueva York, básicamente el único lugar realmente enfocado a eso en NY. Vendí unos cuantos discos, compré un boleto saliendo de San Diego y llegué a Nueva York sin nada, un poco de ropa y mi portátil. Toqué el timbre en Harvestworks y el abrió la puerta. Surgió una amistad.
Después tuve oportunidad de regresara a tocar a NY en diferentes ocasiones, conocí a Joker Nies y fue una relación de amistad instantánea antes de haber tocado. Surgió la posibilidad de que vinieran a México, tocamos esa vez y así sucedió, ahora seguimos tocando juntos, principalmente en Europa.
CP: ¿Cómo fue la interacción ahí en el concierto? Se escuchaban claramente los procesos que cada quien estaba articulando…
MdV: No hay jerarquías. Una coincidencia de vida muy extraña, por eso te decía lo de Borges, lo de "el encuentro es una cita": Tienes que estar con esa persona en ese momento, y pensarlo de esa manera me protege, me hace pensar que las cosas tienen que ser de esa forma y así es.
CP: ¿Én relación a la idea general del Creative Commons, qué opinión te merecen los Net Labels que existen aquí en México?
MdV: Creo que es una buena alternativa. Depende de cuáles sean tus necesidades, hablaba con Rogelio de eso "¿Para qué hacer un sello?" "¿Por qué quieres hacer un sello en México?" Si lo que quieres es mandarle el disco a alguien que está en China, mándale un correo con un URL para bajarlo y listo. En ese sentido un net label es mucho más eficaz si lo que te interesa es hacer networking.
CP: ¿Y para los que quieren vivir de eso?
MdV: Creo que es una prueba de resistencia.
IMV: ¿Y tu relación con las escenas tecnos, hubo alguna?
MdV: Mas con el Breakcore, speedcore o Hard Tecno. He pensado que en algún momento de mi vida me gustaría dedicarme al dance floor. La manipulación es un tema que realmente me interesa y ese contexto se presta para poder manipular grupos de masa mucho mas grandes. Tocar con tapones en los oídos, sin drogas o alcohol y lo mas fuerte que pueda.
IMV: Y todas estas bandillas de la MEGO, ¿te sientes cercano a ellas?
MdV: Me identifico mas con otras cosas pero sin duda Mego ha sido un gran hallazgo. Cuando vi a Pita no me gustó tanto… Lo vi en Nueva York. Es un gran problema que tengo con genete que toca con una laptop.
IMV: ¿Qué tal estuvo el concierto?
MdV: No sé, una capa de sonidos muy poco mutable, en fin, hay conciertos buenos y otros no tan buenos, posiblemente este no fue de los mejores. Mis intereses están más ligados a plunderphonics o mas vinculado a acciones, Sudden Infant, rudolf eb.er, etc. Trabajo realizado a partir de referentes comunes pero resignificados, rearticulados.
CP: Si quisiéramos darle una ligera idea al lector ¿Cómo describirías el trabajo qué estás haciendo, qué preocupaciones tienes de entrada, cuáles son las máquinas que utilizas?
MdV: La manipulación de sistemas inestables y el potencial de su fracaso. Objetos encontrados, modificados electrónicamente, manipulados, entre ellos una tornamesa Bandai que encontré en Japón.
IMV: ¿Venía con viniles esto?
MdV: …vinles de 3"
IMV: ¿Y qué grabación tiene?
MdV: Pop japonés. Lo importante creo es el valor del objeto en si, el potencial que tiene para ser manipulado y su portabilidad.
IMV: ¿Dónde lo encontraste?
MdV: En Akihabara.
CP: Y ¿esto cómo lo amplificas?
MdV: RCA directo de la bocina.
CP: ¿Con un RCA directo a un amplificador?
MdV: Si. En ocasiones pasa por la computadora para ser procesada.
IMV: ¿Por qué es tan importante el conocimiento de programas como el Max/MSP? Lo he venido escuchando bastante.
MdV: No creo que sea importante, es una alternativa como muchas otras que hay. Gente que hace cuatro cuartos, opta por Ableton por ejemplo, una herramienta muy indicada para eso. En el caso de Max/MSP o PD, creo que el valor esta en la apertura de la herramienta en si.
CP: …por la función telemática.
MdV: No se si telemática sea la palabra adecuada pero si.
IMV: Trabajas con determinado material sonoro. Durante toda la entrevista te estuviste refiriendo en términos de crear en tu trabajo una cierta narrativa, esta no necesariamente tiene que ser referencial, puede ser más bien abstracta. En ese sentido y en torno a esto que me estabas comentando ¿qué papel ocupa lo real, la realidad? Digamos, esto que está afuera y lo cual los escuchas pueden comprender y que, sin embargo, en tu trabajo hay un proceso mediante el cual esto real viene modificado y entregado de una determinada manera, creas una narrativa
Carlos Prieto Acevedo / Inti Meza Villarino
2006
Challenging Perception
Let's go back to 1959: at the opening of Yves Klein's exhibition "Le Vide" ("The Void") in Paris, the famous brasserie "La Coupole" specifically prepared special blue cocktails for that occasion that were served to all visitors. It was a special mixture of gin, Cointreau, and methylene blue, which made the pee of those who drank it turn blue for about one week (the time period of Klein's exhibition).
Since in 1959 methylene blue had been declared to be harmful to health or even toxic, depending on the amount of its consumption; its use for staining food was consequently forbidden, though not for medical treatment and research. In January 2012, the Arts Catalyst in London invited to an event that was part of a series called "Trust Me I'm an Artist: Towards an Ethics of Art/Science Collaboration", started by the artist Anna Dumitriu. For that occasion, the artist Neal White had proposed "to re-create the event as an experiment to establish which is the safest, or the least toxic dosage of methylene blue in an alcoholic cocktail required to turn urine into blue, if only for a limited time lapse. The effect of this will be monitored, and the dosage will be controlled during the trial." After the consultation of a science ethics committee composed of top-class scientist, ethicists, philosophers and art professionals, the public was asked to decide (after having read a sheet with pieces of medical information) whether to consume the artwork which contained methylene blue, or to leave it intact and take it home as they had received it (i.e., as a pill and the sheet with pieces of information).
The visitors of "SIN", Mario de Vega's first solo exhibition (*1979, Mexico City) which opened on June 20th at the Laboratorio Arte Alameda in Mexico City, had to confront themselves with a similar situation and similar questions. Instead of just paying the ticket at the entrance, the visitor was requested to first read a sheet with pieces of information on the installations in that exhibition, to then sign a declaration of having read and understood the text, of not having recently undergone a surgery operation, as well as of not suffering health problems or upset such as high blood pressure, heart problems, general hypersensitivity, panic attacks, or epilepsy.
Sonority is the medium and the starting point of Mario de Vega's artistic work and research – also in the site-specific installations that have been specifically developed for that exhibition curated by Carsten Seiffarth (1963, Berlin). But even though sound is the main medium, in de Vega's work it's only necessary to approach superordinate questions: he uses it as a tool to first confront and later materialize issues and topics which sometimes are deeply philosophical and located on a different level than that of the simple exploration of the medium. Through his research and subsequent presentation of the work, he asks the public to approach and try to ask those questions.
"SIN" (in Spanish meaning "without", in Latin "if" or "but") is the result of more than two years of intense research on infrasound and connected phenomena. Those topics are part of de Vega's general artistic focus, which is the reflection on a documentation of sound events, perception, vulnerability, reality and its dislocation. He always connects and thematizes those issues with and through subtle and, at the same time, provocative questions, by making references to contemporary power structures, their malpractice and thereby also the position of the individual within the social fabric in an overpopulated world led by consumerism and spectacles.
Also in the latest exhibition, de Vega links and combines a number of different dimensions of reflection: the historical, ethical, cultural, and socio-political ones.
The entrance of the Laboratorio Arte Alameda, a former convent church which was turned into a museum for contemporary art and which had been the main site of the Spanish Inquisition between 1571 and 1820, leads the visitor into the front yard where a big church bell (without its clapper) designed by the artist himself is being presented on a low pedestal.
This object, a 550 kg bronze casting on which the inscription "vivos voco, mortuos plango, fulgura frango" was engraved (Latin for "I call the living, I bewail the dead, I diffract the lightings"), was initially only meant to be a reference to the missing bell in the church's belfry, and thus as a link between the exhibition and the historic background of its site. It was supposed to be a never-sounding memorial and, after the exhibition closing, to be buried in a hole dug in the front yard of the museum – thereby having its grave presumably in the midst of the remains of those who were condemned and cruelly died during the Inquisition.
But instead of only representing a reference to the historical political situation and dark sides of Mexico's history, over the period of the exhibition's preparations this bell has also become a kind of memorial and critique of the artist on the latest deficiencies of Mexico's cultural politics and use of federal money. Since it's an institution under both the Instituto National de Bellas Artes (INBA – National Institute for Fine Arts) and the Instituto National de Antropología y Historia (INAH – National Institute for Anthropology and History), the exhibitions at the Laboratorio Arte Alameda have to be approved by both authorities, which in the case of the bell led to a significant power play and contradiction between the institutions: although the whole exhibition project had been given the go-ahead by the INBA, the INAH denied its consent to the originally planned casting and later burial of the bell in the museums front yard in the aftermath – officially for reasons of nature and environment protection.
The contrast to INBA's permission and acceptance of all other installations through their division for civil safety and security without any restrictions is remarkable:
Already prior to entering the museum's grounds, the first precursors of de Vega's sound installation sited in the church's main nave can be perceived. Almost unnoticeable on the street, a deep hum can be first rather felt than heard, but gets louder and more pervasive on the way through the front yard until it finally completely envelops the visitors when they enter the museum – where there is literally nothing to see. Even the separating glass walls which divided the entrance area and the main nave of the building have then been removed at the artist's discretion, in order to eliminate any visual lead, clue, or interfering factor. Now, when you enter the building, you will have a free view of the empty hall in its original state.
As the eyes don't find anything to hold on to, the perception of the sound installation with all other senses – not only through the hearing, but with the whole body – is much stronger. A huge analog system, specifically developed by de Vega for that installation, emanates sounds. It is positioned on the main nave's gallery and thus invisible for the visitors' eyes, but not for their senses and bodies, which have to confront themselves with the room's natural frequency of 38 Hz, amplified through 16 speakers. The acoustic wave generated in the gallery moves in a loop (and thus as a kind of perpetuum mobile) through the church's main nave, thereby causing the structure of the whole building to oscillate and audibly vibrate.
Depending on where one stands or walks, the personal perception changes and seems to literally take one's breath away. With 38 Hz, the frequency is located at the margin of what human beings are able to perceive – at least with the hearing (the frequency range that is audible for humans lies between 20 Hz and 20 kHz). The rest of the human organism not only perceives the oscillations, but even reacts, more or less strongly, to them, depending on the particular sensitivity. Almost every visitor who exposed themselves to the acoustic irradiation and to the physical force of that sound installation for a longer period seemed to at least remark a slight malaise – right up to nausea and dizziness.
In a room located laterally to the main nave, another large-scale sound installation is being presented: here the visitors find themselves in front of a specifically developed analog sound system with 22 speakers that have been integrated into a concrete wall and that amplify the harmonic scale of 17 Hz. Apart from the already mentioned effects and consequences such as malaise, nausea, and dizziness, infrasound waves in the frequency range below 20 Hz can even result in temporary mind-altering visual hallucinations.
With both those installations, de Vega powerfully presents the result of his research on the limits of human perception and confronts the visitors with his reflections on human beings, our anthropocentric worldview, our position within this overpopulated world, and its perceptible and imperceptible phenomena.
According to the Encyclopedia Britannica, human perception is "(…) the process whereby sensory stimulation is translated into organized experience. That experience, or percept, is the joint product of the stimulation and of the process itself." [i]
In the everyday examination and analysis of our world, our five senses collect an enormous amount of details. Those pieces of information constitute the basis for the model of reality that our brain constructs. In that process, the human brain is constrained by certain limits regarding the processing of such huge amounts of information that are being communicated by the senses, though the sense organs of every human being have different strengths and weaknesses. The processing of information occurs mainly subconsciously so that our consciousness can concentrate on those bits and pieces of information that are most relevant in that very moment. Our perception of the world surrounding us is thus filtered by what our brain considers relevant, as well as by the individual disposition of one's sense organs. Those filters evolved as part of human evolution as a means to protect us from sensory overload and a consequent complete inability to act: their purpose therefore is to divide the pieces of information we get through our senses in a way that irrelevant details are blocked out, which allows us to concentrate on the relevant parts. Infrasound and ultrasound, but also UV- and infrared light, are part of human perception's cull.
Day by day we are surrounded by infrasound. Waves of low frequency can be caused by earthquakes or volcanic eruptions, but also through extreme weather conditions or even heavy swell. At the present day, we are able to adopt and take advantage of certain physical phenomena through our technologies, i.e., through their manipulation and amplification, which over the years led to a massive use of specific frequency ranges and literally "polluted" them. Being exposed to those frequencies over a long period of time or to a very high degree can cause harm to the human organism, as it can be the case, for example when living in houses located close to wind farms, where the big wind turbines can be sources of infrasound waves. Here, instead of working as a protective mechanism, the filters that prevent us from perceiving the excessive exposure to infrasound now also prevent us from having the natural reaction of escaping a harmful influence.
Success and euphoria when playing with manipulation of nature – be this physical, chemical, or biological systems – as well as our sacrosanct anthropocentric world view and related conceptions have always seduced us to overstate the case, without really being able to estimate and foresee the consequences. So what does this tell us about the almost endlessly increasing use and amplification of acoustic and electromagnetic waves?
Sometimes we need extremes to be able to see and understand certain correlations. The excessive amplification of sound frequencies in de Vega's installations has led to impressive effects on visitors' physique and organism since the very first day: microscopic ruptures in the eye's outermost corneal layer, sudden irritations and redness of parts of the skin, uncontrollable trembling of the whole body – to list only some of the symptoms. According to the artist, the emails he received from visitors telling about their experiences were never accusatory but rather written with a sensation of astonishment and even awe – and often ended with a thank-you.
Independent of a person's purely physical disposition regarding the ability to filter and process the pieces of information coming from the senses, our perception is also conditioned and trained through the culture in which we grow up and live. Learned values form our cognition as cultural systems teach our consciousness to distinguish between those parts of information that are significant and those that are not. In this way, our perception interlinks with our memories over time. Language is part of these cultural systems. The discipline of "Linguistic relativity" researches the extent to which language not only influences and determines our conceptions of reality perception, but also might change it directly. The constant flux of impressions and pieces of information needs to be organized by our brains, which take our linguistic system and the way it forms our way of thinking and interpreting things as a reference and orientation. So, can there be a 100% true access to reality, an undiluted and unfiltered perception? What is reality anyway?
In SIN, language plays at least an indirect role. It is not so much about what is being said or communicated, but much rather about how this happens and about what is NOT being said. The way we give or withhold pieces of information strongly influences our perception: depending on the way and extent of conveyance, information can lead us or prompt certain semantic interpretations; at the same time, restraint of information is a primary and potent means to impose force.
A handout, or rather the requirement to sign a declaration to take over the responsibility for eventual consequences of the visit, no obvious warning labels, barriers, or other precautionary measures – are the installations really that dangerous then? And does my body really react to the waves of low frequency, or only as a result of being alarmed by the handout and signing of the declaration? Did I get too much information or too little..? In any case, enough to be able to decide rather not to be exposed to all this. The artist himself says he does not want to stay in the exhibition – he even advises against visiting it.
De Vega's approach is almost maieutic: the way he thematizes in his installations the questions and issues that have been guiding and driving his artistic research over the past years could be called "productive destabilization". By means of his works, he is asking questions, through which the visitors can come to realize fundamental things that till then they only knew subconsciously – if they are willing to get themselves into those reflections.
But de Vega's work is also all about confrontation. Those who decide to start a dialogue with these installations need to accept getting involved with extremes – both conceptually and physically. Through the direct encounter between one's own body and the almost perverse translation of acoustic and electromagnetic waves into pure physical force (combined with the psychological game of creating ambiguity between imposition of power and freedom of autonomous, reflective decision-making and action) he allows us to redefine what we thought was "perception" and to put it into a new perspective. Through productively destabilizing certainties, de Vega invites the visitor to ponder critically and to face up to what he experiences in this encounter and what this could mean.
The former church's chapel, the Capilla de Animas, is the site of another site-specific installation. Standing at the entrance, the visitor can see a mural on the wall at the opposite end of the chapel that had been uncovered only recently. Right after the two steps leading to the chapel, a fence made of horizontally strung, voltage-carrying wires makes it impossible to have a closer look at the mural, though. Only a line of colored adhesive tape on the floor gives a warning to better keep distance to avoid an electric shock – which for a normal person would not be deadly but rather a bit painful, similar to when touching a pasture fence. At stake is again the subtle game between power and submission. De Vega challenges the visitor to believe that this fence is really carrying electric charge and that therefore he should better not touch it – only a rhythmic clicking seems to provide evidence for it, as the electromagnetic waves emanating from the fence are located within the frequency range of for the human ear not audible ultrasound.
Undoubtedly and noticeably dangerous, however, is the electrical potential of the big light installation in the room dividing the two sound installations. Comprised of 30 modified industrial bulbs of which the outer glass bulb had been removed, the installation is 12000 watts in total, and the exposed filaments emanate not only heat and an almost mystical green and blindingly bright light, but also an awkward chemical smell that fills the room. The only precautionary measure to prevent people from intentionally or accidentally touching the exposed wires, which would kill them instantly, is again a line of adhesive tape on the floor, asking the visitors quietly to keep enough distance.
Similar to Neal White, de Vega also confronts the visitors with their limits of taking autonomous decisions as well as of their perception by inviting them to interact with the single works both intellectually and with their whole bodies, to expose themselves to the effects and to face up to the questions that come up during this process and experience. At the same time, he also openly challenges the integrity and the decision-making process of public institutions, so-called commissions of experts, and the perception of their authority and expertise.
How is it possible that within the frame of the same exhibition, the project that would add cultural and material value not only to the museum in particular, but rather to INBA and INAH as the superior institutions and therefore to the cultural assets of Mexico in general, is rejected for reasons of environmental protection? And the installations that could be harmful and even deadly for the visitors were approved without objections and without imposing rigorous safety measures on the museum's direction?
Why are extremely high amounts of electricity consumption evaluated as less harmful for the environment and nature than the casting and burial of a bell in the museum's courtyard? And what does this say about the reasonable use of federal money for cultural projects? Taking "SIN" as a reference – can we really assume expertise, responsibility, and comprehension for the entities that are competent to decide on submitted projects and their cultural, political, and ethical value?
Daniela Silvestrin, 2013